Пикассо знаменитые картины с названиями. Биография пабло пикассо и описание его картин. Пабло Пикассо: все эпохи в одном художнике

Как художник, Пикассо использовал широкий спектр творческих стилей, включая кубизм, абстракционизм, неоклассицизм, сюрреализм и экспрессионизм.

Ранние работы Пикассо датируются 1901 и 1904 годами, сейчас их называют «голубым периодом ». Они передают мрачные темы нищеты и отчаяния, окрашены в монохромные голубые цвета с изображением удлиненных, перекрученных тел с искаженными чертами. Тем не менее, в 1905 году Пикассо перенаправил свое внимание к другим темам, изображающим арлекинов и остальных карнавальных персонажей, в ярких оттенках красного и розового цветов. Сейчас это время называют «розовым периодом ».

К началу 1930-х годов, Пикассо все больше погружается в стиль кубизма, что видно во всех его работах, он обращается к более смелым цветам и более сложным контурам. Все это взывает к сюрреалистическим, биоморфным мотивам. Его художественная инновация позволила ему продолжать создавать множество работ, благодаря которым он получил известность и богатство. Многие его произведение получили место в рейтинге самых дорогих картин в мире . После Пикассо осталось огромное художественное наследие, которое до сих пор обсуждается и продолжает будоражить мир искусства.

Давайте рассмотрим 10 самых дорогих и обсуждаемых картин Пабло Пикассо .

10. «В кабаре «Проворный кролик» или Арлекин с бокалом» (1904): $40,7 млн

Арлекины и цирковые артисты, представленные в более ярких и жизнерадостных цветах, сильно отличаются от меланхоличного «голубого периода » Пикассо. «Арлекин с бокалом » изначально создавался, чтобы украсить бар на Монмартре.

Ходили слухи, что художник нарисовал картину в обмен на бесплатное питание в знаменитом кабаре Парижа . Когда она была закончена, Пикассо показал работу Фреде, владельцу кабаре, который затем в 1912 году продал картину за $20. В 1952 году работу приобрел коллекционер Джоан Уитни Пейсон. Тогда картина стоила $60 000. Работу, в конце концов, продали на аукционе Сотбис за $40,7 млн.

9. «Чтение» (1932): $40,7 млн

Этот портрет маслом изображает любовницу и музу Пикассо, Мари Терезу Вальтер, которая заснула с книгой на коленях . Пикассо встретил семнадцатилетнюю Мари в 1927 году, когда она выходила из парижского метро, потом у них началась любовная интрижка, которую они держали в секрете из-за разницы в возрасте, препятствовал и тот факт, что Пикассо в то время был женат на Ольге Хохловой.

Затем, увидев в работах художника не ее черты лица, Ольга поняла, что у мужа роман, и брак вскоре развалился. Пикассо рисовал «Чтение » с декабря 1931 года до января 1932 года, исследователи называют это время «безумно влюбленным периодом ». Картину продали на аукционе Сотбис в 2011 за $40,7 млн, покупатель предпочел остаться анонимным.

8. Автопортрет «Я, Пикассо» (1901): $47,9 млн

Этот автопортрет Пикассо, датированный 1901 годом, относят к «голубому период у». Хотя картины в то время художник продавал с трудом, он уже успел завоевать популярность. В 1981 году на аукционе Сотбис уходит к известному коллекционеру Уэнделлу Черри за $5,8 млн.

Когда Черри выставил ее на аукцион повторно в 1989 году, ее продали за $43,5 млн плюс 10%, обещанных Сотбис, то есть, в общей сумме получилось $47,9 млн.

7. «Сон» (1932): $48,4 млн

Главной героиней этой картины также становится Мари Тереза Вальтер. Сцена напоминает «Чтение », другую работу из этой серии, художник еще раз запечатлел свою музу и любовницу спящей в кресле. Картина известна своим эротическим содержанием , а также неприятным случаем, происшедшем в 2006 году, когда владелец аукционного дома Кристи случайно положил руку на работу, что снизило стоимость до $85 млн.

В то время как владелец планировал продать ее за $139 млн до этого инцидента, поэтому он принял решение не выставлять на аукцион картину и забрал ее назад. Таким образом, «Сон » остается в галерее «Wynn Collection » и по сей день.

6. «Женщина, сидящая в саду» (1938): $49,5 млн

К этому времени Пикассо увлекся и начал экспериментировать с кубизмом. Эта картина 1938 года изображает Дору Маар в саду . Французская художница, фотограф и поэтесса была известна тем, что являлась любовницей Пикассо. Портрет является произведением, исполненным в ярко выраженном стиле кубизма, авангардного движения начала 20-го века, в продвижение которого Пикассо вложил много сил.

Известно, что художник закончил эту знаменитую работу в течение дня. Картина оставалась в частной коллекции виолончелиста и композитора Даниэля Зайденберга до самой смерти в 1997 году. В 1999 году работу продали на аукционе Сотбис за $49,5 млн.

5. «Свадьба Пьеретты» (1905): $51,3 млн

Эта картина Пикассо, датированная 1905 годом, относится к «голубому периоду ». Монохромная цветовая палитра с оттенками синего придает работе мрачности. Сама сцена контрастирует с оттенками: изображено праздничное настроение, Арлекин любуется невестой. Наличие смазанных элементов на фоне говорит о том, что картина, возможно, не закончена, хотя исследователи говорят обратное .

Арт-дилер Джозеф Странски, друг Пикассо, получил картину в 1907. Однако, между 1945 и 1962 годами, она перешла во владение Пауло Пикассо, сына художника. Финансист Фредерик Рус купил работу и преподнес ее в подарок французскому правительству. В 1989 году картина, в конце концов, попала на аукцион и была продана за $51,3 млн.

4. «Женщина со скрещенными руками» (1902): $55 млн

Эта относится к «голубому периоду » Пикассо. Героиня картины, предположительно, была пациенткой тюремной больницы Сен-Лазар в Париже . Гертруда Стайн, писательница и коллекционер произведений искусства, была одной из владелиц этой картины. Пикассо также нарисовал и портрет самой Гертруды в 1906 году.

В 1936 году «Женщина со скрещенными руками » перешла во владение коллекционера Чонси Маккормика и оставалась там вплоть до 2000 года. В это время ее выставили на аукционе Кристи, где ее купил анонимный покупатель за $55 млн.

3. «Дора Маар с кошкой» (1941): $95,2 млн

Предметом этой культовой картины 1941 года стала сюрреалистический фотограф Дора Маар, одна из самых известных муз и любовниц Пикассо. изображает Дору, сидящую в кресле, в то время, как маленький черный кот стоит за ее спиной. Картина демонстрирует блестящее использование Пикассо смелых и ярких цветов, а также стиль кубизма .

Например, сочетание узоров на платье Доры добавляет драматизма позе и общему спокойствию картины. Пикассо часто рассматривал Дору как «собственную музу ». В 1963 году картину продали в частную коллекцию. В конце концов, в 2006 году была выставлена на аукционе Сотбис и продана за $95,2 млн.

2. «Мальчик с трубкой» (1905): $104 млн

На этом портрете изображен мальчик в короне из роз, который держит в руке трубку. Цвета, используемые в картине, показывают, что она относится к «розовому периоду », когда художник предпочитал использовать веселые оранжевые и розовые оттенки, отличные от мрачных и холодных цветов «голубого периода ».

Джон Уитни, американский посол в Великобритании, был первым, кто приобрел работу в 1950 году за $30 000. Картина оставалась в частной коллекции Уитни вплоть до 2004 года. К тому времени жена Уитни основала благотворительный фонд «Зеленое дерево » после смерти Джона в 1982 году. В 2004 году картина была выставлена на аукционе Сотбис и продана за $104 млн, превысив предварительную оценку экспертов.

1. «Обнаженная, зеленые листья и бюст» (1932): $106,5 млн

Эта самая дорогая Пикассо изображает музу и любовницу художника, Мари Терезу Вальтер, в обнаженном виде. Ее бюст – скульптура, которую Пикассо изваял в 1931 году. Художник нарисовал картину за один день, и эта работа представляет собой успешный этап в его карьере . Картина относится к списку самых дорогих предметов, проданных на аукционах .

Пикассо усовершенствовал свои навыки к этому времени и поэтому начал использовать символизм в своем творчестве. В 1952 году коллекционеры купили эту картину за $17 000 и она оставалась в частной коллекции вплоть до 2010 года, когда ее продали на аукционе Кристи за $106,5 млн.

Опубликовано: Май 3, 2015

Пабло Руис и Пикассо , также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 - 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. Как один из самых крупных и влиятельных художников XX века, он известен как один из основателей кубизма, изобретатель ассамбляжа, коллажа, и самых разнообразных стилей, которые он помог развить и исследовать. Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937), и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании.

Пикассо, Анри Матисс и Марсель Дюшан считаются тремя художниками, которые наиболее точно охарактеризовали революционные события в пластических искусствах в первых десятилетиях XX века, а также ответственны за значительное развитие живописи, скульптуры, гравюры и керамики.

В детские и юношеские годы Пикассо продемонстрировал чрезвычайный талант, рисуя в натуралистической манере. В течение первого десятилетия XX века его стиль изменился, так как он экспериментировал с различными теориями, методами и идеями. Его работы часто делятся на периоды. Хотя названия многих из более поздних периодов ещё обсуждаются, наиболее широко принятыми периодами в его творчестве являются: Голубой период (1901-1904), Розовый период (1904-1906), Африканский период (1907-1909), Аналитический кубизм (1909-1912) и Синтетический кубизм (1912-1919).

Пабло Пикассо, 1901, «Старая женщина (женщина с перчатками, женщина с украшениями)», масло, картон, 67 x 52,1 см, Музей искусств Филадельфии

Исключительно плодовитый на протяжении всей своей долгой жизни, Пикассо добился всеобщей известности и огромной удачи для своих революционных художественных достижений и стал одной из самых известных фигур в искусстве XX века.

Ранние годы

При крещении Пикассо дали имя Пабло, Диего, Хосе, Франсиско де Паула, Хуан Непомусено, Мария де лос Ремедиос, Сиприано де-ла-Сантисима Тринидад, ряд имён в честь различных святых и родственников. К ним добавили Руис и Пикассо, его отец и мать соответственно, согласно испанскому законодательству. Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес. Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. Его семья была среднего класса. Отец был художником, который специализировался на натуралистических изображениях птиц и другой дичи. Большую часть своей жизни Руис работал профессором искусства в школе ремёсел и хранителем местного музея. Его предки были незначительными аристократами.

Пабло Пикассо, 1901-1902, Femme au café («Любительница абсента»), масло, холст, 73 x 54 см, Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия

С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию. По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lápiz», что в переводе с испанского означает «карандаш». С семи лет Пикассо начал получать официальное художественное образование от своего отца по рисунку и живописи маслом. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что надлежащее обучение требует строгого копирования мастеров и рисования человеческого тела с гипсовых слепков и живых моделей. Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе.

В 1891 году семья переехала в Ла-Корунья, где его отец стал профессором в Школе изящных искусств. Здесь они остались почти на четыре года. Как-то раз, отец обнаружил сына за закрашиванием его незаконченного эскиза голубя. Апокрифическая история рассказывает, что наблюдая за точностью техники сына, Руис почувствовал, что тринадцатилетний Пикассо превзошел его. Он поклялся отказаться от живописи, хотя существуют его картины более поздних лет.

В 1895 году Пикассо был травмирован смертью его семилетней сестры Кончиты, вследствие дифтерии. После её смерти семья переехала в Барселону, где Руис занял должность в Школе изящных искусств. Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом. Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен. Для студентов этот процесс часто занимал месяц, но Пикассо завершил его за неделю, и жюри приняло его. На момент поступления Пикассо было только 13 лет. Как студенту ему не хватало дисциплины, но приобрёл дружеские отношения, которые повлияли на его последующую жизнь. Недалеко от дома отец снял ему небольшую комнату, чтобы он мог работать в одиночку, но судя по рисункам, он проверял его несколько раз в день. Оба часто спорили.

Отец и дядя Пикассо решили отправить молодого художника в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, которая считалась передовой художественной школой страны. В возрасте 16 лет Пикассо впервые сам отправился в путь, тем не менее, юный художник невзлюбил формальное обучение и вскоре после зачисления перестал посещать занятия. Мадрид хранил много других достопримечательностей. В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Пикассо особенно восхищался произведения Эль Греко; такие его элементы, как вытянутые конечности, яркие цвета и мистические лица отразились в дальнейшем творчестве Пикассо.

Начало творческого пути

До 1900 года

Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. Его прогресс можно проследить в коллекции ранних работ, которая находится в Музее Пикассо в Барселоне, и представляет собой одно из наиболее полных собраний среди первых работ крупных художников, которое сохранилось до наших дней. В течение 1893 года пропадает незрелость его самого раннего творчества, и в 1894 году он, можно сказать, начинает свою карьеру художника. Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу. В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи».

В 1897 году его реализм приобрёл лёгкий оттенок символизма в серии пейзажей представленной в не натуралистических фиолетовых и зелёных тонах. Далее следует, так называемый, модернистский период (1899-1900). Знакомство с творчеством Россетти, Стейнлена, Тулуз-Лотрек и Эдварда Мунка, в сочетании с восхищением такими старыми мастерами, как Эль Греко, привели Пикассо к собственной версии модернизма.

В 1900 году Пикассо совершил свою первую поездку в Париж, позже художественную столицу Европы. Там он встретил своего первого парижского друга, журналиста и поэта Макса Жакоба, который помог Пикассо в изучении французского языка и литературы. Вскоре они жили в одной квартире; Макс спал ночью, в то время как Пикассо спал днём и работал ночью. Это были времена крайней нищеты, холода, и отчаяния. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. Солер предоставлял статьи, а Пикассо иллюстрировал журнал, внося в основном мрачные изображения, которые выражали сочувствие бедным слоям населения. Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо»; прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо».

«Голубой период»

«Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами. Этот период начался или в Испании в начале 1901 года, или в Париже во второй половине года. Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем. Пикассо находился под влиянием поездки по Испании и самоубийства друга Карлоса Касагемаса, что привело к строгому использованию цвета и подчас страдальческих сюжетов, частыми объектами которых являлись проститутки и нищие. С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда.

La Vie («Жизнь») 1903, Художественный музей Кливленда

Инфракрасные снимки картины 1901 года «Голубая комната» показывают, что под ней находится другая картина.

Такое же настроение пронизывает известную гравюру «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, оба истощены, сидят за почти пустым столом. В работах Пикассо этого периода повторяется тема слепоты, она также представлена в «Завтраке слепого» (1903, Музей Метрополитен) и в портрете Селестины (1903). Другие работы включают «Портрет Солера» и «Портрет Сюзанны Блох».

«Розовый период»

«Розовый период» (1904 - 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов, известных во Франции как «saltimbanques». Арлекин, комедийный характер, обычно изображается в одежде с клетчатым рисунком, стал личным символом для Пикассо. В Париже в 1904 году он встретил Фернанду Оливье, богемную художницу, которая стала его любовницей. Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. В целом приподнятое и оптимистичное настроение картин в этот период напоминает 1899-1901 годы (т.е. непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами.

Пабло Пикассо, 1905, Au Lapin Agile («В Проворном кролике»), холст, масло, 99,1 х 100,3 см, Музей Метрополитен

Пабло Пикассо, 1905, Garçon à la pipe («Мальчик с трубкой»), частная коллекция, «Розовый период»

Портрет Гертруды Стайн, 1906, Музей искусств «Метрополитен», Нью-Йорк. Когда кто-то прокомментировал, что Стайн не похожа на портрете, Пикассо ответил: «Она будет».

К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн. Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна. Гертруда Стайн стала главной покровительницей Пикассо, приобретая его рисунки и картины, и выставляя их на неофициальном Салоне в своём доме в Париже. На одном из мероприятий в 1905 году он встретил Генри Матисса, который стал другом и соперником на всю жизнь. Стейн познакомила его с Кларибель Кон и её сестрой Эттой, которые были американскими коллекционерами; они также начали приобретать картины Пикассо и Матисса. В итоге Лео Стайн переехал в Италию. Майкл и Сара Стайн стали покровительствовать Матиссу, в то время как Гертруда Стайн продолжала коллекционировать Пикассо.

В 1907 году Пикассо присоединился к художественной галерее, которую Даниэль-Анри Канвейлер недавно открыл в Париже. Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером. Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века. Канвейлер был среди первых кураторов Пабло Пикассо, Жоржа Брака и кубизма, который они совместно разработали. Он также способствовал росту таких художников как Андре Дерен, Кеес ван Донген, Фернан Леже, Хуан Грис, Морис де Вламинк и нескольких других, которые приехали со всех уголков земного шара, чтобы жить и работать в то время в районе Монпарнас.

Трансформация современного искусства

Les Demoiselles d"Avignon («Авиньонские девицы»), 1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк

«Африканский период»

«Африканский период» Пикассо (1907 - 1909) начинается с двух фигур справа на картине «Авиньонские девицы», на которые его вдохновили африканские артефакты. Основные идеи, разработанные в этот период, привели непосредственно к периоду кубизма, который следует далее.

Кубизм

Аналитический кубизм (1909-1912) - стиль живописи, который Пикассо разработан с Жоржем Браком, используя монохромные коричневатые и нейтральные цвета. Оба художника разбирали объекты и «анализировали» их с точки зрения формы. Картины Пикассо и Брака на этот раз имели много общего. Синтетический кубизм (1912-1919) был дальнейшим развитием стиля, в котором вырезанные бумажные фрагменты, часто обои или части газетных страниц вставлялись в композиции, ознаменовав первое использование коллажа в изобразительном искусстве.

В Париже Пикассо развлекался с выдающимся кругом друзей в кварталах Монмартр и Монпарнас, в который входили Андре Бретон, поэт Гийом Аполлинер, писатель Альфред Жарри, и Гертруда Стайн. В 1911 году Аполлинера арестовали по подозрению в краже Мона Лизы из Лувра. Он указал на своего друга Пикассо, которого также вызвали на допрос, но позднее освободили.

1909, Femme assise («Сидящая женщина»), холст, масло, 100 × 80 см, Государственные музеи Берлина, Новая национальная галерея

1909-1910, Figure dans un Fauteuil («Сидящая обнаженная»)

1910, La Femme au pot de moutarde («Женщина с горчичницей»), холст, масло, 73 × 60 см, Муниципальный музей, Гаага. Выставлялась на Armory Show, в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне в 1913 году

1910, Girl with a Mandolin (Fanny Tellier) («Девушка с мандолиной (Фанни Телье)»), холст, масло, 100,3 × 73,6 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк

1910, Портрет Даниэля Анри Канвейлера, Чикагский институт искусств.

1910-1911, Guitariste, La mandoliniste («Женщина, играющая на мандолине»), холст, масло

Прибл. 1911, Le Guitariste («Гитарист»). Воспроизведенена в манифесте Альберта Глеза и Жана Метценже Du Cubisme («О кубизме») в 1912 году

1911, «Бутылка рома», холст, масло, 61,3 × 50,5 см, Музей искусств «Метрополитен», Нью-Йорк

1911, Le poète («Поэт»), масло, льняной холст, 131.2 × 89,5 см (51 5/8 × 35 1/4 футов), Музей Соломона Гуггенхайма, Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция

1911-1912, «Скрипка», холст, масло, 100 × 73 см (овал), Музей Крёллер-Мюллер

1913, «Бутылка, кларнет, скрипка, газета, бокал», 55 × 45 см. Эта картина из коллекции Вильгельма Уде была конфискована Французским государством и продана на аукционе в «Отеле Друо» в 1921 году.

1913, Femme assise dans un fauteuil (Eva) («Женщина в рубашке, сидящая в кресле (Ева)»), 149,9 × 99,4 см, Коллекция Леонарда Лаудера, Музей искусств «Метрополитен»

1913-1914, Tête («Голова»), вырезанная и вставленная цветная бумага, гуашь и уголь на картоне, 43,5 × 33 см, Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург

1913-1914, L"Homme aux cartes («Игрок в карты»), масло, холст, 108 × 89,5 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк

1914-1915, Nature morte au compotier

1916, L"anis del mono («Бутылка Анис дель Моно»), холст, масло, 46 × 54,6 см, Институт искусств Детройта, штат Мичига

Слава

После приобретения некоторой славы и богатства, Пикассо оставил Оливье ради Марсель Умбер, которую называл Ева Гуель. Во многие работы в стиле кубизм Пикассо включил признание в любви к Еве. В 1915 году в возрасте 30 лет она преждевременно умерла от болезни, это событие опустошило Пикассо.

Пабло Пикассо и художник-декораторы сидят на антрактном занавесе балета Леонида Мясина «Парад», который поставил «Русский балет Дягилева» в парижском «Театре Шатле» в 1917 году.

На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. Брака и Дерена мобилизовали, а Аполлинер присоединился к французской артиллерии, в то время как испанец Хуан Грис остался в кругу кубистов. Во время войны Пикассо продолжал непрерывно писать, в отличие от его французских товарищей. Его живопись стала более мрачной, а жизнь изменилась, приведя к драматическим последствиям. Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции. На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг. После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным. Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги.

К концу Первой мировой войны, Пикассо приобрёл ряд важных знакомств с фигурами, которые имели отношение к «Русскому балету Дягилева». Среди его друзей в течение этого периода были Жан Кокто, Жан Гюго, Хуан Грис и другие. Летом 1918 года Пикассо женился на Ольге Хохловой, балерине из труппы Сергея Дягилева, для которого Пикассо создал эскизы для балета Эрика Сати «Парад», проходящего в Риме; они провели свой медовый месяц вблизи Биаррица на вилле очаровательного чилийского мецената Евгении Эрразуриз.

Дизайн костюма, Пабло Пикассо, олицетворяющий небоскребы и бульвары для «Парада» в постановке «Русского балета Дягилева» в парижском «Театре Шатле» 18 мая 1917 года.

После возвращения из свадебного путешествия и отчаянно нуждаясь в деньгах, Пикассо начал особые отношения с еврейско-французским арт-дилером Полем Розенбергом. В качестве своей первой обязанности Розенберг за свой счёт арендовал квартиру для пары в Париже, которая располагалась возле его дома. Это было начало глубокой братской дружбы между двумя очень разными мужчинами, которая будет длиться вплоть до начала Второй мировой войны.

Хохлова ввела Пикассо в высшее общество, формальные ужины и все сопутствующие социальные тонкости жизни богатых в Париже1920-х годов. Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца. Настойчивое требование Хохловой на светском приличии столкнулось с богемной тенденцией Пикассо, из-за чего оба жили в состоянии постоянного конфликта. В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора.

«Парад», 1917, занавес созданный для балета «Парад». Эта работа является крупнейшей среди картин Пикассо. Центр Помпиду-Мец, Мец, Франция, май 2012 года.

В 1927 году Пикассо встретил 17-летнюю Марию-Терезу Вальтер и начал тайно с ней встречаться. Вскоре брак Пикассо с Хохловой закончился. Это скорее было похоже на разрыв отношений, чем на развод, так как согласно французскому законодательству в случае развода предусматривался раздел имущества, а Пикассо не хотел отдавать Хохловой половину своего богатства. Они оставались в законном браке до смерти Хохловой в 1955 году. Пикассо продолжил давний роман с Марией-Терезой Вальтер, с которой у него была дочь Майя. Мария-Тереза жила в напрасной надежде, что Пикассо однажды жениться на ней и повесилась спустя четыре года после его смерти. На протяжении всей жизни художник имел несколько любовниц, помимо жены или основным партнёром. Он был дважды женат и имел четырёх детей от трёх женщин:

Пауло (4 февраля 1921 - 5 июня 1975 года) (урождённый Пауло Джозеф Пикассо) - от Ольги Хохловой

Майя (5 сентября 1935 -) (урождённая Мария де ла Консепсьон Пикассо) - от Марии-Терезы Вальтер

Фотограф и художник Дора Маар также была постоянным спутником и возлюбленной Пикассо. Наиболее близкими они были в конце 1930-х и начале 1940-х годов. Именно Маар подтвердила подлинность полотна «Герники».

Portrait d"Olga dans un fauteuil («Портрет Ольги в кресле»), 1918, Музей Пикассо, Париж, Франция

портрет Марии-Терезии Вальтер, Дата: 1937, Размеры: 38 см х 46 см, материалы: Холст, масло, карандаш

Пабло Пикассо, 1919, «Спящие Крестьяне», гуашь, акварель и карандаш на бумаге, 31.1 x 48.9 см, Музей современного искусства, Нью-Йорка

Классицизм и сюрреализм

В феврале 1917 года Пикассо совершил своё первое путешествие в Италию. В период последовавший за потрясением Первой мировой войны, Пикассо создаёт работу в неоклассическом стиле. В 1920-е годы подобное «возвращение к порядку» проявляется в творчестве многих европейских художников, в том числе Андре Дерена, Джорджо де Кирико, Джино Северини, Жана Метценже, художников течения «Новая вещественность» и группы «Новеченто». Картины и рисунки Пикассо этого периода часто напоминают работы Рафаэля и Энгра.

В 1925 году сюрреалист, писатель и поэт Андре Бретон признал Пикассо «одним из наших» в своей статье Le Surréalisme et la peinture («Сюрреализм и живопись»), опубликованной в литературном журнале La Révolution Surréaliste («Сюрреалистическая революция»). В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»). Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм; понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surréalisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», - пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму.

В 1930-х годах минотавр заменил арлекина в качестве общего мотива его работ. Использование минотавра частично пришло от связи художника с сюрреалистами, которые часто использовали его как символ, и который появляется в картине Пикассо «Герника». Минотавр и любовница Пикассо Мария-Тереза Вальтер в значительной степени изображены в его знаменитых гравюрах Suite Vollard.

В 1939-1940 годах музей современного искусства в Нью-Йорке под руководством директора Альфреда Барра, и горячего поклонника Пикассо, провёл большую ретроспективу основных работ Пикассо, созданных к этому времени. Эта выставка подняла шум вокруг художника, открыв его артистизм широкой публике Америки, что повлекло за собой переосмысление его творчества современными историками искусства и учеными.

Вероятно, самой известной работой Пикассо является его изображение немецкой бомбардировки Герники во время Гражданской войны в Испании - «Герника». Это большое полотно воплощает бесчеловечность, жестокость и безнадежность войны. Отвечая на вопрос для объяснения своей символики, Пикассо сказал: «Художнику не годится определять символы. В противном случае было бы лучше, если бы он излагал их на бумаге! Публика, которая смотрит на картину, должна интерпретировать символы, так как она их понимает».

На протяжении многих лет «Герника» выставлялась в нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981 году её вернули в Испанию и выставили в Casón del Buen Retiro (здание Кейсон дель Буэн Ретиро музея Прадо). В 1992 году картину представили в Национальном музее центра искусств королевы Софии в Мадриде при его открытии.

Вторая мировая война и последующий период

Во время Второй мировой войны Пикассо оставался в Париже несмотря на то, что немцы заняли город. Его художественный стиль не соответствовал нацистским идеалам искусства, поэтому в течение этого периода он не выставлялся. Пикассо часто подвергался преследованиям со стороны Гестапо. Во время обыска в его квартире, офицер увидел фотографию картины «Герника». «Это ты написал?» - спросил немец Пикассо. «Нет», - ответил он, «Ты написал».

Отказавшись от мастерской, он продолжил писать, создав такие работы, как «Натюрморт с гитарой» (1942) и «Склеп» (1944-48). Хотя в Париже немцы запретили бронзовое литьё, Пикассо продолжал использовать бронзу, которую ему контрабандой привозило французское Сопротивление.

Примерно в это время, в качестве альтернативы, Пикассо взялся за писательство. В 1935-1959 годах он написал более 300 стихотворений. Большинство из них не имели названия, за исключением даты и в некоторых случаях места, где были написаны (например «Париж 16 мая 1936 года»). Эти работы были делом вкуса, эротическими и временами непристойными, как две его многоактные пьесы «Желание, пойманное за хвост» (1941) и «Четыре девочки» (1949).

В 1944 году после освобождения Парижа, Пикассо, которому в ту пору было 63 года, начал романтические отношения с молодой студенткой художественной школы по имени Франсуаза Жило. Она была на 40 лет моложе его. Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило. Со временем у них появилось двое детей: Клод, родившийся в 1947 году и Палома, в 1949 году. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей. Это был серьёзный удар для Пикассо.

Художник имел любовную связь с женщинами, с которыми у него была ещё большая разница в возрасте, чем с Жило. Будучи всё ещё в отношениях с Жило, в 1951 году Пикассо имел шестинедельный роман с Женевьевой Лапорт, которая была на четыре года моложе Жило. К 70-и годам во многих его картинах, рисунках тушью и гравюрах в качестве темы присутствует старый, гротескный карлик безумно любящий красивых молодых моделей. Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо.

Его брак с Роке был также способом мести Жило; с помощью Пикассо, Жило планировала развестись с тогдашним мужем Люком Саймоном, чтобы выйти замуж за Пикассо для обеспечения прав своих детей, как его законных наследников. После того, как Жило подала на развод Пикассо уже был тайно женат на Роке. Это создало напряжение в его отношениях с Клодом и Паломой.

К этому времени Пикассо построил огромный готический дом и мог позволить себе большие виллы на юге Франции, как Notre-Dame-de-Vie на окраине Мужен и в регионе Прованс-Альпы-Лазурный Берег. Он был международной знаменитостью, к личной жизни которой часто проявляли больший интерес, чем к его искусству.

Помимо художественных достижений Пикассо появился в нескольких фильмах, каждый раз в роли самого себя, включая эпизодическую роль в «Завещании Орфея» Жана Кокто. В 1955 году он помог снять фильм Le Mystère Picasso («Тайнство Пикассо»), режиссёром которого выступил Анри-Жорж Клузо.

Станислав Лоренц проводит экскурсию для Пабло Пикассо по Национальному музею в Варшаве во время выставки «Современных французских художников и керамики Пабло Пикассо» в 1948 году. Пикассо подарил музею Варшавы более десятка его изделий из керамики, рисунков и цветных гравюр.

Последние произведения

Пикассо был одним из 250 скульпторов, которые выставлялись на 3-ей Международной выставке скульптур, состоявшейся в Музее искусств Филадельфии в середине 1949 года. В 1950 году стиль Пикассо вновь изменился, когда он взялся за создание реинтерпретацию искусства великих мастеров. Он написал серию работ, основанных на картине Веласкеса «Менины». Пикассо также создал картины по работам Гойи, Пуссена, Мане, Курбе и Делакруа.

Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго, и обычно известную как Чикагский Пикассо. Он подошел к проекту с большим энтузиазмом, спроектировав неоднозначную и несколько спорную скульптуру. Представленная фигура не известна; это может быть птица, лошадь, женщина или полностью абстрактная форма. Эта скульптура, одна из самых узнаваемых достопримечательностей в центре Чикаго, была открыта в 1967 году. Пикассо отказался от оплаты в 100 000 $, пожертвовав всю сумму жителям города.

Последние работы Пикассо представляли собой смесь стилей, способ выражения в постоянном движении до конца его жизни. Посвятив всю свою энергию творчеству, Пикассо стал более смелым, а его произведения более красочными и выразительными. С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. В то время эти работы отклонили, в основном как порнографические фантазии бессильного старика или неряшливые работы художника, чьи лучшие годы уже в прошлом. Только позже, после смерти Пикассо, когда остальная часть мира искусства перешла на абстрактный экспрессионизм, создав критическое сообщество, они увидели, что Пикассо уже открыл неоэкспрессионизм и был, как и раньше, впереди своего времени.

Смерть

Пабло Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене, в то время как он и его жена Жаклин развлекали друзей за ужином. Он был похоронен в замке Вовенарг возле Прованса. Этот дом он приобрёл в 1958 году и жил в нём с Жаклин в 1959-1962 годах. Жаклин Роке препятствовала присутствию на похоронах его детей Паломы и Клода. Опустошённая и одинокая после смерти Пикассо, Жаклин Роке покончила с собой, застрелившись в 1986 году, когда ей было 59 лет.

перевод статьи английской википедии

Музей Пикассо

Пабло Пикассо. Авиньонские девушки

Пабло ПИКАССО картина Зеленая миска и черная бутылка

Пабло ПИКАССО картина Дриада Пабло ПИКАССО Купание

Чтобы быть выдающимся, уникальным художником, нужно быть неординарным человеком, с нестандартным видением окружающего мира, тогда и рождаются неповторимые полотна, новые стили и течения в искусстве. Такому автору невозможно подражать, можно лишь вдохновляться его работой и искать что-то новое внутри себя.

Мне нравится баланс цветов. Все выглядит очень гармонично и приятно.

На протяжении всей жизни любого художника по обыкновению прослеживается изменение почерка, характера или даже стиля. Это явление можно заметить и у самых знаменитых живописцев — от почти что вынужденного перехода Моне к абстракции в конце жизни, до перехода к ярко выраженной цветовой палитре. Хотя подобные изменения характерны для большинства мастеров живописи, особенно сильно они наблюдаются в картинах .

Его карьера, которая охватывала почти 80 лет, имела успех не только в живописи, но и в скульптуре, керамике, дизайне и сценической деятельности. Поэтому стремление Пикассо к экспериментам неудивительно. Для прослеживания стилистической эволюции Пабло Пикассо искусствоведы разделяют его творчество на несколько периодов: «ранний период», «голубой период», «розовый период», «африканский период», «кубизм», «классический период», «сюрреализм», военный и послевоенный периоды и период поздних работ.

Ранний период

Пикассо начал писать в раннем детстве — в его первых картинах образы обладали максимальным сходством с оригиналом, как и цветовая палитра.

Картины раннего периода

«Голубой» период

С 1902 года Пабло Пикассо начал писать в стиле, в котором были ярко выражены темы старости, смерти, нищеты и печали. В цветовой палитре художника начали преобладать голубые оттенки. В этот период Пабло писал, в основном, образы низших слоёв общества: алкоголиков, проституток, нищих и других людей.

Картины «голубого» периода

«Розовый» период

В 1904 году Пабло Пикассо начал отдавать предпочтение розовым тонам, создавая образы из мира театра и цирка. Его персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, акробаты или танцовщики.

Картины «розового» периода

«Африканский» период

Короткий период, который пришёлся на 1907-1908 годы, был навеян архаичным искусством Африки, с которым Пикассо познакомился на выставке в музее Трокадеро. Для художника это стало настоящим открытием — простые, а где-то даже примитивные, формы древних скульптур показались Пабло Пикассо удивительной особенностью, которая несла в себе огромный художественный заряд.

Картины «африканского» периода

Увлечение африканской скульптурой привели Пабло к абсолютно новому жанру. Отказ от реалистичной имитации окружающего мира привёл художника к упрощению очертаний человеческих образов и предметов, которые затем стали превращаться в геометрические блоки. Вместе с французским художником Жоржем Брако, Пабло Пикассо стал родоначальником кубизма — направление, отвергающее традиции натурализма.

«Классический» период

На переход с кубизма на живопись, которая была бы более «читаемой», повлияли как внутренняя потребность Пикассо, так и внешние факторы. В этот период художник сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева, а также женился на Ольге Хохловой. Не удивительно, что она хотела бы узнавать себя в портретах, но одно лишь пожелание жены никак не повлияло бы на творчество Пикассо, если бы не его тяга к переменам.

Картины «классического» периода

Знакомство с Марией Терезой Вальтер, а также общение с сюрреалистами, повернули Пабло Пикассо в сторону сюрреализма. Переход к этому направлению можно описать его же выражением: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Война и послевоенный период

Нависшая над Европой угроза, а также страх перед войной, заставили Пикассо если не прямо отражать настроение на полотне, то придавать картинам мрачность и трагизм. Послевоенное же творчество художника можно назвать счастливым — в работах художника прослеживается остроумие и отсутствие мрачных сюжетов.

О Пaблo Пикассо слышали все. Это не только известный испанский xyдожник, но и скульптоp, график, керамист, театральный художник, поэт и драматург.
Его имя, данное при крещении, состоит из 23 слов — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис Клито Пикассо. Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников.

АВтопортрет (1907 г.):

Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. За свою жизнь Пабло Пикассо написал много шедевров, которые до сих пор заставляют мир благоговеть. В нашем списке мы перечислили самые знаменитые.

Почему они так популярны?
Читайте описание работ под фотографиями

Нaписанная в 1932 гoдy, каpтина опять изображает любовницу Пикассо, Марию Терезу Вальтер. Полотно размером около полутора метров в длину и высоту было завершено в течение одного дня. Эта картина считается одним из самыx больших достижений Пикассо в межвоенный период. Она порождает иллюзии и считается весьма сексуальной.

«Гoлyбaя обнаженная» является одним из самыx pанних шедевров Пикассо. Она была написана в 1902 г. Эта картина из голубого периода Пикассо. В это время Пикассо использовал бледный, холодный синий цвет в качестве доминирующего цвета в его картинах и эскизах. В большинство его картин во время голубого периода с помощью одного цвета отражены сильные эмоции. «Голубая обнаженная» сидит к нам спиной в позе эмбриона. Картина не предлагает никакого подтекста, и ее эмоции не ясны.

Нa каpтине, кoторая была написана Пикассо в 1941 годy, его xорватская любовница изображена сидящей на стуле с маленькой кошкой на плече. За время отношений с Дорой Маар, которые длились десять лет, Пикассо рисовал ее портреты много раз. Сама Дора была фотографом-сюрреалистом. Эта картина считается одним из наименее агрессивных изображений Доры Маар, а также одной из самых дорогих картин в мире. В композиции Пикассо проявил исключительное внимание к деталям, многие из которых символичны.

Кaк и «Геpника», этo произведение искyсства тоже создано в 1937 году. Музой Пикассо была Мария Тереза Вальтер, и он создал множество ее спокойныx образов. Многие считают, что эта картина напоминает королеву из колоды игральных карт - такую образность часто проектируют с помощью полос. Работа также выполнена в стиле кубизм наряду с поляризацией красного и зеленого цветов.

Нaзвание каpтины заключает в себе название серии, кoторая была завершена Пикассо в 1921 годy в Фонтенбло недалеко от Парижа. Это довольно большая картина по размеру - ширина и высота ее более 2 метров. Здесь используется синтетический стиль кубизма, который превращает xудожественное произведение в последовательность плоскостей, линий и дуг. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. Считается, что этими тремя символическими героями являются сам Пикассо, Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, соответственно. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано».

Вoзможно, это однa из самыx известных каpтин Пикассо. Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. Здесь хyдожник критикует бомбардировки баскского города Герника, проведенные нацистами во время гражданской войны в Испании. Картина размером 3,5 м в высоту и 7,8 м в длину представляет собой мощный обвинительный акт против войны. Используемый стиль живописи представляет собой сочетание в черно-белых тонах пасторали и эпоса. «Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей.

Нa написаннoй в маpте 1932 года картине мы видим образ францyзской любовницы Пикассо, Марии Терезы Вальтер. Стиль этой картины называется кубизм. Идея кубизма — взять объект, разбить его на более простые части, а затем, исxодя из нескольких точек зрения, воссоздать те самые части на холсте. В «Девушке перед зеркалом» можно рассмотреть образ тщеславия. Картина на первый взгляд кажется довольно простой, но если присмотреться, то можно найти различные глубокие символы на всех частях картины.

Кapтина была написана в 1903 гoдy после того, как друг Пикассо, Карлос Касагемас покончил жизнь самоубийством. В это время с пониманием xудожник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Это полотно было создано в Мадриде, и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. Не только фактически, но и символически гитара заполняет все пространство вокруг старика, который, кажется, не обращая внимания на слепоту и бедность, полностью отдался музыке.

Не могу сказать, что я являюсь большим поклонником творчества Пабло Пикассо, но одна из картин, представленных в этой подборке, мне очень нравится.

В связи с этим, предлагаю всем любителям изобразительного искусства принять участие в опросе (мне очень интересно узнать ваше мнение, мои уважаемые друзья и читатели).

Какая из картин Пикассо зз представленных здесь вам нравится больше всего?

0 (0.0 % )

0 (0.0 % )

0 (0.0 % )

1 (16.7 % )

Родился Пабло Пикассо 25 октября 1881 г. в Испании в г. Малага в семье художника Хосе Руиса Бласко. Талант будущий художник начал демонстрировать рано. Уже с 7 лет мальчик дописывал некоторые детали на картинах отца (первой такой работой были лапки голубей). В 8 лет была написана первая серьезная картина маслом под названием «Пикадор».

«Пикадор» 1889

В 13 лет Пабло Пикассо стал студентом Академии художеств в Барселоне — на вступительных экзаменах Пабло настолько хорошо себя показал, что комиссия приняла его в академию не смотря на юный возраст.

В 1897 г. Пикассо уехал в Мадрид для поступления в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Но проучился там Пабло не больше года — слишком скучно и тесно было юному таланту в академии с ее классическими традициями. В Мадриде юношу больше увлекала бурная жизнь мегаполиса. Так же много времени Пабло посвящал изучению работ таких художников, как Диего Виласкес, Франциско Гойя и Эль Греко, которые произвели на художника большое впечатление.

В те годы художник впервые посетил Париж, считавшейся тогда столицей искусств. Он месяцами жил в этом городе, посещая различные музеи, с целью изучения работ мастеров живописи: Ван Гога, Гогена, Делакруа и многих других. Пикассо будет часто посещать Париж в дальнейшем, а позже этот город увлечет его настолько, что Пикассо решит окончательно переехать туда (1904г.).

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

«Портрет матери» 1896

«Знание и милосердие» 1897

«Первое причастие» 1896

«Автопортрет» 1896

«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897

«Испанская пара перед гостиницей» 1900

«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895

«Человек на берегу пруда» 1897

«Человек в шапке» 1895

«Бульвар Клиши» 1901

«Портрет отца художника» 1895

Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

«Завтрак слепого» 1903

«Мать и дитя» 1903

«Любительница абсента» 1901

«Гладильщица» 1904

«Нищий старик с мальчиком» 1903

«Жизнь» 1903

«Две сестры (Свидание)» 1902

«Голубая комната (Ванна)» 1901

«Гурман» 1901

«Сидящая женщина в капюшоне» 1902

В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

«Акрабат и арлекин» 1905

«Девочка с козлом» 1906

«Мальчик, ведущий лошадь» 1906

«Семейство комедиантов» 1905

«Крестьяне» 1906

«Обнаженная женщина с кувшином» 1906

«Причесывание» 1906

«Женщина с хлебом» 1905

«Два акрабата с собакой» 1905

«Туалет» 1906

Одну из известнейших картин П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905), которая сейчас находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, некоторые специалисты называют переходной от «голубого» периода к «розовому».

«Девочка на шаре» 1905

Переломным моментом в творчестве Пикассо стал портрет Гертруды Штейн, написанный им в 1906 году.

Работа над портретом была тяжелой — художник около 80 раз переписывал портрет и в итоге Пикассо отдалился от портрета как жанра изобразительного искусства в своем классическом понимании. Все дальнейшее творчество Пикассо можно охарактеризовать всего лишь одной его фразой «Надо писать не то, что вижу, а то что знаю». Именно этой установки П. Пикассо и старался придерживаться до конца своей жизни.

Кубизм

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.

Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.

В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов. В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.

Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

«Фермерша» 1908

«Голова мужчины» 1907

«Купальщица» 1909

«Натюрморт с чашей и кувшином» 1908

«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)» 1907

«Портрет Мануэля Пальяреса» 1909

«Три фигуры под деревом» 1907

«Бокалы и фрукты» 1908

«Бюст человека (Спортсмен)» 1909

«Женщина» 1907

В аналитическом периоде Пикассо пришел к осознанию того, что нужно полностью сосредоточиться на объеме и форме предметов, отодвинув на задний план цвет. Таким образом отличительной чертой аналитического кубизма стала монохромность. Так же стоит отметить структуру работ этого периода — художник словно дробит предметы на мелкие фрагменты. Между разными вещами пропадает грань и все воспринимается как единое целое.

Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

«Человек с гитарой» 1911

«Человек со скрипкой» 1912

«Аккордионист» 1911

«Натюрморт с бутылкой ликера» 1909

«Поэт» 1911

«Портрет Фернанды» 1909

«Портрет Вильгельма Уде» 1910

«Сидящая обнаженная» 1910

«Женщина в зеленом» 1909

«Женщина в кресле» 1909

Началом синтетического периода стала картина «Воспоминания о Гавре», написанная Пабло Пикассо в 1912 г. В этой картине появились более яркие краски, не присущие аналитическому кубизму.

Монохромные работы вновь уступили место цвету. В основном на картинах этого периода преобладали натюрморты: бутылки вина, ноты, столовые приборы и музыкальные инструменты. Для разбавления абстрактности в работе над картинами использовались реальные предметы, такие как: веревки, песок, обои и т.д.

Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)

«Человек у камина» 1916

«Человек в цилиндре» 1914

«Бокал и игральные карты» 1912

«Гитара» 1912

«Натюрморт с фруктами на столе» 1914-1915

«Пьедестал» 1914

«Столик в кафе (Бутылка Перно)» 1912

«Харчевня (Ветчина)» 1914

«Зеленый натюрморт» 1914

«Человек с трубкой, сидящий в кресле» 1916

Несмотря на то, что кубизм активно критиковали многие, работы этого периода хорошо продавались и Пабло Пикассо наконец-то прекратил нищенствовать и переехал в просторную мастерскую.

Следующим периодом в творчестве художника стал неоклассицизм, которому положила начало женитьба Пикассо на русской балерине Ольге Хохловой в 1918 г. Этому предшествовала работа Пабло над декорациями и эскизами костюмов к балету «Парад» 1917 г. Именно выполняя эту работу художник познакомился с Ольгой Хохловой.

Занавес к балету «Парад» 1917

Программка балета Парад с рисунком Пикассо. 1917

Китайский маг, в костюме Пикассо, современная интерпретация, 2003

Персонаж французского «управителя» (зазывалы)

Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы… На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т.д. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

«Чтение письма» 1921

«Купальщицы» 1918

«Любовники» 1923

«Мать и дитя» 1921

«Ольга Хохлова в мантилье» 1917

«Ольга Пикассо» 1923

«Первое причастие» 1919

«Пьеро» 1918

«Портрет Ольги в кресле» 1917

«Портрет Паула» сына художника 1923

«Спящие крестьяне» 1919

«Три купальщицы» 1920

«Женщина с ребенком на берегу моря» 1921

«Женщина в мантилье» 1917

«Женщины, бегущие по берегу» 1922

В 1925 году художник написал картину «Танец», которая в полной мере отражает проблемы в личной жизни художника в это время.

Зимой 1927 года Пикассо встречает свою новую музу — семнадцатилетнюю Марию Терезу Вальтер, которая стала персонажем многих картин периода сюрреализма. В 1935 году у пары родилась дочь Майя, однако в 1936 году Пикассо уходит от Марии Терезы и от Ольги Хохловой, с которой он так и не оформит официального развода вплоть до самой смерти Ольги в 1955 г.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

«Акрабат» 1930

«Девушка, бросающая камень» 1931

«Фигуры на пляже» 1931

«Натюрморт» 1932

«Обнаженная и натюрморт» 1931

«Обнаженная на пляже» 1929

«Обнаженная на пляже» 1929

«Женщина с цветком» 1932

«Сон(портрет любовницы художника Марии Терезы Валтер)» 1932

«Обнаженная в кресле» 1932

«Обнаженная в кресле» 1929

«Поцелуй» 1931

В 30-е и 40-е годы героем многих полотен Пикассо стал бык, Минотавр. Минотавр в творчестве художника — олицетворение разрушительной силы, войны и смерти.

«Минотаврия» 1935

«Палитра и голова быка» 1938

«Баранья голова» 1939

«Натюрморт с бычьим черепом» 1942

«Череп быка, фрукты, кувшин» 1939

«Три бараньи головы» 1939

Весной 1937 года маленький город Испании Герника немецкие фашисты буквально стерли с лица земли. Это событие Пикассо не мог оставить без внимания и так на свет появилась картина «Герника». Эту картину можно назвать апофеозом темы Минотавр. Размеры картины впечатляют: длина — 8 м, ширина — 3,5 м. Известен один случай, связанный с картиной. Во время обыска, который устроил гестапо офицер-нацист обратил внимание на картину и спросил Пикассо: «Это вы сделали?» на что художник ответил «Нет. Это сделали вы!».

«Герника» 1937

Параллельно полотнам о Минотаврах, Пабло Пикассо создает серию о монстрах . Эта серия выражает позицию художника во время гражданской войны в Испании, в которой он поддерживал республиканцев и выступал против политики диктатора Франко.

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

«Мечты и ложь генерала Франко» (1937)

Всю Вторую мировую войну Пабло Пикассо жил во Франции, где художник в 1944 году стал членом Французской коммунистической партии.

Работы военного времени (1937-1945)

«Фазан» 1938

«Голова женщины в шляпе» 1939

«Мария Тереза в венке» 1937

«Мастерская художника» 1943

«Майя с куклой» 1938

«Молящая» 1937

«Натюрморт» 1945

«Плачущая женщина с платком» 1937

«Птицы в клетке» 1937

«Раненная птица и кот» 1938

«Склеп» 1945

«Женщина в красном кресле» 1939

В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни». Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки.

«Радость бытия» 1946

В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.

Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.

В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.

«Резня в Корее» 1951

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Пикассо в мастерской Мадура