Музыкальная культура конца XVII– начала XVIIIвека существенно отличается от предыдущих. Она поднимается на вершины и не только в России, но и в других странах. Изменения в общественной и культурной сферах Европы способствуют вовлечению новых внеевропейских музыкальных явлений, а потребление музыкальной продукции на аудионосителях меняет отношение к музыке. Она начинает осмысляться как явление глобальное, усиливается ее потребительски-развлекательная функция. Возрастает роль массовой культуры и популярных музыкальных жанров, они отделяются от культуры элитарной, западноевропейской музыкальной классики и профессионально-академической композиторской деятельности.

Скачать:

Предварительный просмотр:

Введение

XVII век – начало новой эпохи в музыке, освобождающейся от господства церкви, обретающей все большее многообразие жанров, форм, красок, выразительных средств. Важнейшим шагом на этом пути было возникновение оперы, светского искусства, наследовавшего идеи эпохи Возрождения, выдвинувшего на первый план красоту и выразительность мелодии, сольного пения, богатства человеческих чувств. Из княжеских дворцов Флоренции и Рима опера в 1637 г. пришла в первый оперный театр в Венеции. Вершина итальянской оперы того периода – творчество Клаудио Монтеверди – создателя музыкальной драмы, где музыка развивалась в теснейшей связи с драматическим действием, рисовала сложные и правдивые характеры действующих лиц.

Основоположник оперной школы Франции Жан Батист Люлли опирался на опыт драматического театра.

Несравненный по тонкости и глубине лирического выражения образец оперного искусства оставил английский композитор Генри Перселл.

Рядом с вокальным жанром развиваются инструментальные. Вслед за органом – королем искусства барокко, выдвинулся клавесин. Для этих инструментов писали итальянец Д. Фрескобальди, немцы Д. Букстехуде, Гендель и величайший из всех – И.С.Бах. В Италии в полный голос зазвучала скрипка. Сонаты для скрипки Арканджело Корелли, скрипичные концерты Антонио Вивальди, их оркестровые концерты служили образцами для многих композиторов. Высшего расцвета инструментальная музыка достигла во 2-й половине XVIII в.

Музыкальная культура развивалась и на Руси. В середине XVII столетия в русской музыкальной культуре явственно дают о себе знать новые веяния, меняется отношение к музыке, ее место в жизни, возникают новые жанры, формы и стилевые принципы.

Бесспорным является факт отставания русской музыки от западноевропейской в эпоху средневековья. Музыка, как и другие виды художественного творчества, развивалась в Древней Руси не только медленнее, чем в странах Западной Европы, но и по иным путям. Она создавала свои неповторимые ценности, отличающиеся ярким своеобразием и самобытностью.

Музыка во Франции XVII - начала XVIII века

Французская музыка пережила свой могучий и блестящий, подлинно классический и богатейший послеренессансный период на протяжении немногим менее одного столетия. Во Франции уходила в прошлое целая культурно-историческая эпоха.

В истории французской музыки XVII столетие ознаменовалось внушительной кульминацией. Эта блестящая полоса оказала значительное воздействие на последующее развитие искусства не только во Франции, но и далеко за ее пределами.

Трудный путь исторического развития был тернистым для народа. Кровопролитные войны стоили ему огромных лишений, неисчислимых людских жертв. Массы изнывали под гнетом королевской власти, под бременем непосильных налогов и поборов, в то время как феодальная знать, чиновная бюрократия и верхушка духовенства утопали в несказанной роскоши. Через эти противоречия света и тьмы и вопреки им Франция XVII столетия создала великое искусство классицизма, под сенью его взросла и возмужала французская музыка.

В эпоху национального подъема и еще больших национальных тягот народ Франции, вольнолюбивый и жизнерадостный, в работе на полях и виноградниках, в лесу, в городских мастерских и мануфактурах, в ожесточенных сражениях, наконец, в семейном кругу у домашнего очага продолжал слагать и петь свои песни, по-прежнему, как и во времена Ренессанса, темпераментные, остроумные, насмешливые, трагические. В них, как и раньше, вновь отобразилась жизнь страны в новой полосе ее истории, образы ее людей с их трудом, мирным и бранным, с их нуждой, страстями и заботами, радостями и горестями.

Песен, подлинность которых была бы точно установлена, сохранилось немного. В дошедших до нас сборниках того времени, опубликованных в Париже, Лионе, Руане и других городах издателями и любителями-фольклористами Байярами, Кристофами, Леруа, мелодии собственно народного происхождения перемешаны с произведениями композиторов и певцов-профессионалов – застольными, танцевальными, игривыми, любовными. Эти песенки, искусно воссоздававшие интонационный строй подлинного фольклора, зачастую приобретали очень широкую популярность и распространение в народе. В результате образовалась своего рода "песенная амальгама", обнаружить в которой зерна доподлинного фольклора представляется трудным. Иногда на помощь приходят литературные источники. Так, популярная лирическая "Mon pere m"a donne un mari" ("Отец мне мужа подарил") упоминается в "Комическом романе" Поля Скаррона, а бытовая "Si le Roi m"avait donne" ("Когда б король мне даровал") названа у Мольера. В большей самобытности сохранились сельские хороводные песни, восходящие как жанр еще к раннему средневековью. Что касается городского фольклора, в свое время представленного в репертуаре певцов Пон-Нёфа, то репертуар этот также был крайне пестрым: он состоял из куртуазных арий, переинтонированных на плебейский манер, оперных отрывков (особенно со времен Люлли) и лишь частично из подлинных "песен ремесленников". К этим последним относятся популярные мелодии-ронды: "En revenant des noces" ("Co свадьбы возвратись") или "Jl nous faut des tondeurs" ("Нам бы нужно стричь овец") и некоторые другие, в том числе и крестьянские (широко известная "Песня сеятеля" - "Chanson de 1"aveine", исполнявшаяся обычно в виде маленькой инсценировки).

Три величайших французских композитора - Люлли, Франсуа Куперен-младший и Рамо писали airs de cour и даже считали для себя честью представлять свои инструментальные пьесы для подобной адаптации, особенно с тех пор, как словесные тексты стали заказывать лучшим поэтам. Подтекстованы были и некоторые рондо Куперена, в том числе его широко известная клавесинная пьеса "Зефир нежнейший в сих местах царит" - пьеса, отличающаяся исключительно тонкой и нарядной орнаментикой мелодических голосов.
С началом XVIII века жанр air de cour вступает в полосу поразительно быстрого увядания и вполне синхронно с ранним классицизмом сходит на нет.

Французская общественная мысль того века была богата и многообразна. Она ярко отразила борьбу классов и сама выступила в этой борьбе острым идеологическим оружием.

Гениальный философ, математик и естествоиспытатель Рене Декарт, исповедовавший дуалистическое мировоззрение, был тем не менее отважным мыслителем-борцом против богословской схоластики. Он утверждал главенство и познавательную мощь человеческого разума, критерии ясности и отчетливости познания.

Мысли Декарта о музыке, выраженные в его переписке с Гюйгенсом, Мерсенном и ранее систематически изложенные в знаменитом трактате "Compendium musicae" (1650), были проницательны и плодотворны. В них, как в капле воды, отразились дуализм великого мыслителя, его воинственный пыл бескомпромиссного рационалиста, настойчивые, хоть и не безошибочные искания истины.

В области теории французские музыканты еще в первой половине XVII века предприняли очень смелые и важные шаги. В 1636-1637 годах выдающийся исследователь монах-минорит Марен Мерсенн выступил с трактатом "Универсальная гармония", в котором этот латинский ум, современник Лейбница и Иоганна Кеплера, впервые после Боэция и Эйригены, пытался очертить место музыки во вселенной и в жизни человеческой.

Руссо - историк, политический мыслитель, написавший целое научное обоснование революции 1789 года – трактат "Общественный договор", и он же вместе с тем основоположник французской комической оперы. Эта широта и плодотворность литературно-философских связей – одна из характерных особенностей французской музыки XVII-XVIII веков.

Музыка звучала и развивалась, выдвигая новые жанры, образные сферы, творческие манеры - лишь в живом общении с другими областями и видами искусства. В то время французский драматический театр, поэзия, живопись, архитектура переживали период блистательного подъема, который по своему значению и художественным достоинствам может быть сравним не только со средневековой готикой, но даже с Ренессансом, преемником которого он в некотором смысле и являлся.

Появляется новый жанр – классицизм – искусство могучее и глубокое, любимое французским народом и выразившее его гений. Детищем классицизма явилась французская опера XVII века. Ее рождение было важным событием в истории национальной культуры страны, которая до второй половины XVII века почти не знала другого оперного искусства, кроме привозного итальянского. Однако почва французской художественной культуры не явилась для нее вовсе чуждой и бесплодной.

Также существовал французский балет в два рода: драматический и комический. Последний был особенно популярен.

Развитие музыкального театра отнюдь не шло по элементарной схеме: сперва - балет, затем - опера. Произошло слияние жанров.

В этих жанрах дебютировал в свой ранний период и Люлли-композитор. В свои «лирические трагедии» (так назывались его оперы) Люлли вводил элементы декламационности, большое внимание уделял хорам, танцам.

В 18 веке с ростом влияния буржуазии складываются новые формы музыкально-общественной жизни. Постепенно концерты выходят за рамки дворцовых залов и аристократических салонов. В А. Филидор (Даникан) организовал в Париже регулярные публичные «Духовные концерты», в Ф. Ж. Госсек основал общество «Любительские концерты». Более замкнутый характер носили вечера академического общества «Друзья Аполлона» (основано в ), ежегодные циклы концертов устраивала «Королевская Академия музыки».

В 20-30-е годы 18 в. наивысшего расцвета достигает клавесинная сюита. Среди французских клавесинистов ведущая роль принадлежит Ф. Куперену , автору свободных циклов, основанных на принципах сходства и контраста пьес. Наряду с Купереном большой вклад в развитие программно-характеристической клавесиновои сюиты внесли также Ж. Ф. Дандре и особенно Ж. Ф. Рамо .

В 1733 году успешная премьера оперы Рамо «Ипполит и Арика» обеспечила этому композитору ведущее положение в придворной опере - «Королевской академии музыки». В творчестве Рамо жанр лирической трагедии достиг кульминации. Его вокально-декламационный стиль обогатился мелодико-гармонической экспрессией. Большим разнообразием отличаются его двухчастные увертюры, однако представлены в его творчестве и трехчастные увертюры, близкие итальянской оперной «синфонии». В ряде опер Рамо предвосхитил многие поздние завоевания в области музыкальной драмы, подготовив почву для оперной реформы К. В. Глюка . Рамо принадлежит научная система, ряд положений которой послужили основой современного учения о гармонии («Трактат о гармонии», 1722; «Происхождение гармонии», 1750, и др.).

К середине 18 века героико-мифологические оперы Люлли, Рамо и других авторов перестали соответствовать эстетическим запросам буржуазной аудитории. Своей популярностью они уступают остросатирическим ярмарочным спектаклям, известным еще с конца 17 века. Эти представления направлены на высмеивание нравов «высших» слоев общества, а также пародируют придворную оперу. Первыми авторами подобных комических опер были драматурги А. Р. Лесаж и Ш. С. Фавара. В недрах ярмарочного театра созрел новый французский оперный жанр - опера комик. Укреплению ее позиций способствовали приезд в Париж в 1752 году итальянской оперной труппы, поставившей ряд опер-буфф , в том числе « Служанка-госпожа » Перголези, и полемика по вопросам оперного искусства, разгоревшаяся между сторонниками (буржуазно-демократические круги) и противниками (представители аристократии) итальянской оперы-буфф, - т. н. «Война Буффон».

В напряженной атмосфере Парижа эта полемика приобрела особую остроту, получила огромный общественный резонанс. Активное участие приняли в ней деятели французского Просвещения , поддержавших демократическое искусство «буфонистов», а пастораль Руссо «Деревенский колдун» () легла в основу первой французской комической оперы. Провозглашенный ими лозунг «подражания природе» оказал большое влияние на формирование французского оперного стиля 18 века. Труды энциклопедистов содержат также ценные эстетические и музыкально-теоретические обобщения.

XVII и начало XVIII столетия - один из значительных и блестящих периодов в истории французской музыки. Целая полоса развития музыкального искусства.

Музыкальная культура России XVII – XVIII века

Ни одно предшествующее столетие в русской культуре не отличалось такой пестротой, обилием противоречий, сложностью взаимоотношения различных по своей направленности тенденций, как XVII век. Находясь на рубеже двух больших эпох, он завершает период Древней Руси и одновременно подготавливает наступление нового периоде в русской истории.

Новые веяния постепенно расшатывали устои средневекового религиозного мировоззрения, проникая в различные области культуры и знания. Вместе с тем старое сохраняло еще прочные позиции. В литературе и искусстве традиции Древней Руси продолжали развиваться и давать ценные плоды.

Борьба старого и нового находит отражение и в искусстве XVII века. В художественном творчестве возрастает роль реалистического начала. В литературе возникают чисто светские жанры. Одним из важнейших источников обновления литературы и искусства служило народное творчество. Не осталось в стороне от борьбы направлений и церковно-певческое искусство. Начиная с 50-х годов в русском церковном пении утверждается стиль партесного многоголосия, постепенно оттеснявший старую одноголосную певческую традицию. Переход от знаменного одноголосия к многоголосному партесному пению не может быть приурочен к строго определенной дате. Процесс этот был длительным и постепенным. На протяжении всей второй половины XVII века оба стиля продолжали «сосуществовать» между собой, оставаясь равноправными. Только к концу столетия стиль партесного пения становится господствующим.

Глубокие изменения во всем строе русской художественной культуры XVII века были связаны с новым отношением к искусству, новым пониманием его значения и места в жизни человека.

Одним из наиболее примечательных памятников передовой музыкально-эстетической мысли XVII века является трактат дьякона московского Сретенского собора в Кремле Иоаникия Коренева «О пении божественном».

Светское музыкальное искусство в XVII веке еще не могло полностью восторжествовать над церковным и приобрести главенствующее значение в культурной жизни русского общества. Но роль его значительно возрастает, возникают новые жанры и виды музыкального искусства.

Народное музыкальное творчество также стоит на первом месте. Был широко распространен свадебный обряд. Но самое широкое отражение получили в народном творчестве социальные процессы и события насыщенной острыми коллизиями русской действительности XVII века.

Наряду с традиционными видами песенного фольклора возникали новые его жанры. К ним относятся прежде всего разнообразные по тематике и по характеру песни социального протеста – шуточно-сатирические, эпические, «удалые» песни о народных восстаниях, о любимых народом героях освободительной борьбы. Обширный круг песен был сложен о Степане Разине. Записи этих песен были сделаны не ранее второй половины XVIII.

В XVII веке усиливается проникновение новых европейских форм музицирования в быт русского общества. Появляется ряд любителей «немецкой» музыки, содержавших свои домашние капеллы; для обслуживания придворных церемоний и увеселительных целей приглашаются музыканты из Польши, Германии, Голландии.

Одной из обязательных принадлежностей европейского придворного этикета в XVII веке был театр. Стремлением не отставать в этом отношении от западных феодальных монархий было вызвано создание первого в России театра. На сцене этого театра был поставлен балет «Орфей», пьеса «Юдифь», пьеса «Комедия о блудном сыне» и многое другое.

Расцвет концертирующего стиля в русской музыке конца XVII века связан с деятельностью Николая Дилецкого как композитора, теоретика и педагога. Высококвалифицированный и образованный музыкант широкого кругозора Дилецкий открыл новые перспективы перед русской музыкой. Этот период в русской музыке дал большой толчок для развития музыкальной культуры.

Заключение

Музыкальная культура конца XVII – начала XVIII века существенно отличается от предыдущих. Она поднимается на вершины и не только в России, но и в других странах. Изменения в общественной и культурной сферах Европы способствуют вовлечению новых внеевропейских музыкальных явлений, а потребление музыкальной продукции на аудионосителях меняет отношение к музыке. Она начинает осмысляться как явление глобальное, усиливается ее потребительски-развлекательная функция. Возрастает роль массовой культуры и популярных музыкальных жанров, они отделяются от культуры элитарной, западноевропейской музыкальной классики и профессионально-академической композиторской деятельности.

Harpsichord Suite No.5 in D minor

Основные сведения

Музыкант, исполняющий музыкальные произведения как на клавесине, так и на его разновидностях называется клавесинистом .

Происхождение

Самое раннее упоминание инструмента типа клавесина фигурирует в источнике 1397 года из Падуи (Италия), самое раннее известное изображение — на алтаре в Миндене (1425 год). Как солирующий инструмент клавесин сохранялся в обиходе до конца XVIII века. Несколько дольше он использовался для исполнения цифрованного баса, для сопровождения речитативов в операх. Около 1810 года практически вышел из употребления. Возрождение культуры игры на клавесине началось на рубеже XIX-XX веках.

Клавесины XV века не сохранились. Судя по изображениям, это были короткие инструменты с грузным корпусом. Большинство сохранившихся клавесинов XVI века были изготовлены в Италии, где главным центром их производства была Венеция.

Они имели 8` регистр (реже два регистра 8` и 4`), отличались изяществом. Их корпус изготовлялся чаще всего из кипариса. Атака на этих клавесинах была отчетливее, а звук — более отрывистым, чем у позднейших фламандских инструментов.

Важнейшим центром производства клавесинов в Северной Европе был Антверпен, где с 1579 года работали представители семьи Рукерс. Их клавесины имеют более длинные струны и более тяжеловесный корпус, чем итальянские инструменты. С 1590-х в Антверпене производились клавесины с двумя мануалами. Французские, английские, немецкие клавесины XVII века сочетают в себе признаки фламадских и нидерландских моделей.

Сохранились некоторые французские двухмануальные клавесины с корпусом из орехового дерева. С 1690-х во Франции производились клавесины того же типа, что и инструменты фирмы Рукерс. Среди французских клавесинных мастеров выделялась династия Бланше. В 1766 году мастерскую Бланше унаследовал Таскин.

Наиболее значительными английскими производителями клавесинов в XVIII веке были Шуди и семья Киркман. Их инструменты имели облицованный фанерой дубовый корпус и отличались сильным звуком богатого тембра. В Германии XVIII века основным центром производства клавесинов был Гамбург; среди изготовленных в этом городе инструменты с 2` и 16` регистрами, а так же с 3 мануалами. Необычно длинная модель клавесина была разработана Й.Д.Дюлкеном, ведущим нидерландским мастером XVIII века.

Во 2-й половине XVIII века клавесин стал вытесняться фортепиано . Около 1809 фирма Киркман выпустила свой последний клавесин. Инициатором возрождения инструмента стал А.Долмеч. Свой первый клавесин он построил в 1896 в Лондоне и вкоре открыл мастерские в Бостоне, Париже, Хейслмире.

Выпуск клавесинов наладили так же парижские фирмы Плейель и Эрар. Плейель начала производить модель клавесина с металлической рамой, несущей толстые, туго натянутые струны; на инструментах этого типа Ванда Ландовска воспитала целое поколение клавесинистов. Бостонские мастера Фрэнк Хаббард (Hubbard) и Уильям Дайд (Dowd) первыми начали копировать старинные клавесины.

Устройство

Имеет форму продолговатого треугольника. Его струны расположены горизонтально, параллельно клавишам.

На конце каждой клавиши стоит толкачик (или прыгун). На верхнем конце толкачика лангетта в которой закреплен плектр (язычок) из пера (на многих современных инструментах — из пластмассы), чуть выше плектра — демпфер из войлока или мягкой кожи. При нажатии клавиши толкачик поднимается, плектр защипывает струну. Если клавишу отпустить, освобождающий механизм позволит плектру вернуться на место под струну без повтороного защипывания струны. Вибрация струны заглушается демпфером.

Для регистровки, т.е. изменения силы и тембра звука, используются ручные и ножные переключатели. Плавное увеличение и уменьшение громкости на клавесине невозможно. В XV веке диапазон клавесина составлял 3 октавы (в нижней октаве некоторые хроматические ноты отсутствовали); в XVI веке он расширился до 4 октав (C — c«`), в XVIII веке до 5 октав (F` — f«`).

Типичный немецкий или нидерландский клавесин XVIII века имеет 2 мануала (клавиатуры), 2 набора струн 8` и один набор струн 4`(звучащих октавой выше), которые могут использоваться по отдельности или совместно, а так же механизм копуляции мануалов. Ножные и коленные переключатели регистров появились в конце 1750-х. У большинства инструментов есть т.н. лютневый регистр характерного носового тембра (для его получения струны с помощью специального механизма немного приглушаются кочками кожи или войлока).

В конце 17-18 вв. начинают появляться новые музыкальные каноны, которым будут следовать композиторы и музыканты на протяжении долгого времени. Этот век подарил миру музыки, которые внесли неоценимый вклад во всемирное культурное наследие. Композиторы 18 века знамениты такими личностями, как:

Это один из величайших немецких композиторов, интерес к личности и творчеству которого со временем не угасает, а, наоборот, все возрастает. Но, к сожалению, при жизни он не получил признания. У Иоганна не было другого выбора поприща, кроме как музыкального, потому что его предки славились своей музыкальностью.

Родился будущий гений в 1685 г. в городке Эйзенахе. Своим первым шагам в музыке он обязан отцу, который обучил его игре на скрипке. У Баха был прекрасный голос, и он пел в хоре городской школы. Окружающие не сомневались в том, что мальчик станет прекрасным музыкантом.

Рано став сиротой, в возрасте 15 лет, Иоганн начал самостоятельную жизнь. Несмотря на то, что юный композитор жил в стесненных обстоятельствах и частых переездах, интерес к музыке никогда не ослабевал у Баха, он постоянно расширял свои познания в области музыки путем самообразования.

В отличие от своих коллег-композиторов, которые во всем старались подражать иностранным музыкантам, Бах активно использовал в своих произведениях народные немецкие песни и танцы. Но Иоганн был не только талантливым композитором, но и прекрасным исполнителем на органе и клавесине. Если его не знали, как композитора, то все признавали его мастерство игры на этих инструментах.

Но придворному обществу не нравилась музыка композитора: ее считали слишком яркой, эмоциональной, человечной. Но несмотря на непризнание публикой его произведений, он никогда не подстраивался под их вкусы. Свои самые лучшие музыкальные произведения Бах написал в Лейпциге, куда переехал со своей семьей и оставался до конца жизни. Там он создал большую часть кантат, "Страсти по Иоанну", "Страсти по Матфею", Мессу си минор.

Самой большой радостью, поддержкой и опорой композитора была его семья. Сыновья тоже стали одаренными музыкантами и еще при жизни Баха приобрели известность. Его вторая жена и старшая дочь имели очень красивый голос. Поэтому Иоганн продолжал писать музыкальные произведения для своей семьи.

В последние годы жизни у Баха начались серьезные проблемы со зрением, и после неудачной операции он стал слепым. Но несмотря на это, не оставил свое творчество и продолжал создавать композиции, диктуя их для записи. Его смерть осталась практически незамеченной в музыкальном обществе, и о нем скоро забыли. Интерес к его музыке появился лишь через 100 лет, когда под руководством Мендельсона было исполнено одно из прекраснейших его творений - "Страсти по Матфею", и тогда же был выпущен сборник его музыкальных композиций.

Этот гений музыки не был по достоинству оценен современниками, которые не могли осознать всю силу и глубину его таланта, недолюбливали его за сильный и независимый характер, но спустя века его творчеством интересуются и восхищаются талантом. Родился Вольфганг 27 января 1756 г. Отец его был придворным музыкантом и, рано заметив в сестре Моцарта музыкальные способности, стал обучать ее музыке.

Это и положило начало творчеству Вольфганга. У мальчика в раннем возрасте обнаружились исключительные способности к музыке: будучи в возрасте 5-6 лет, он уже создал свои первые музыкальные произведения, обладая при этом уникальным музыкальным слухом и поразительной памятью. Отец, видя, что его сын обладает редкими музыкальными талантами, решает начать концертное турне, чтобы Вольфганг приобрел известность и не стал придворным музыкантом.

Но несмотря на то, что мальчиком все восхищались и в 12 лет его произведения становились известными, общество не могло полностью оценить весь потенциал юного музыканта. Поэтому, вернувшись из турне, Вольфганг стал придворным музыкантом и очень страдал от того положения, в котором он оказался. Но не желая мириться с тем, что его не уважают и обращаются неподобающим образом, он уехал из Зальцбурга в Вену.

Именно во время своего пребывания в Вене, его талант достигает расцвета. Вскоре он женился на прекрасной девушке по имени Констанца Вебер, и даже неодобрение родителей не смогли помешать их счастью. Годы, проведенные им в Вене, нельзя назвать легкими, скорее, наоборот. Испытывая нужду, Моцарту приходилось очень много работать, что сказалось на его здоровье. Несмотря на то, что его оперы "Свадьба Фигаро", "Дон Жуан" пользуются успехом, общество по-прежнему не в силах понять весь гений Вольфганга.

Незадолго до смерти Моцарт пишет свое величайшее произведение - оперу "Волшебная флейта". Одновременно с ней он создает "Реквием", но не успевает его завершить. В ночь с 4 на 5 декабря 1791 г. гениальный композитор скончался. Обстоятельства его смерти до сих пор остаются неизвестными, что порождает множество споров среди специалистов. Лишь после его кончины музыкальное общество и весь мир признали гений Моцарта, а его произведения до сих пор считаются шедеврами в музыке.

Его "Времена года" на протяжении уже нескольких столетий стоят в одном ряду с другими гениальными произведениями. Скрипач-виртуоз, получивший признание при жизни, много путешествовавший, прекрасный педагог - все это о знаменитом итальянском композиторе Антонио Вивальди.

Антонио родился 4 марта 1678 г. и стал единственным ребенком в семье, выбравшим музыкальное поприще. Его музыкальный талант проявился очень рано, и его первым учителем стал Джованни Батиста, снискавший к тому времени славу виртуоза. Изучение его манеры исполнения дает возможность предположить, что мальчик брал уроки у других знаменитых музыкантов.

Юный Антонио решает избрать карьеру священника и 18 декабря 1693 г. получает низшее церковное звание. Позднее он получил еще три "низших" и два "высших" церковных звания, необходимых для получение сана священника. Но несмотря на духовную карьеру, Вивальди продолжал весьма успешно заниматься музыкой.

И его усиленные занятия принесли результат: Антонио был назначен педагогом в одну из самых лучших "консерваторий" Венеции. Его обширная и разносторонняя музыкальная деятельность сделала "консерваторию" одной из самых выделяющихся в городе. В начале своего творчества композитор уделяет большое внимание инструментальному направлению, что можно объяснить тем, что северная часть Италии и Венеция считались центром лучших инструменталистов.

Антонио Вивальди приобрел славу за пределами Италии, его произведения пользовались успехом, а обучаться у него считали за высокую честь. В Мантуе композитор знакомится с Анной Жиро и ее сестрой Паолиной. Вскоре обе девушки стали постоянными обитательницами дома Вивальди, что вызвало недовольство церковного руководства, которому и так не нравилось, что Антонио находится в частых разъездах.

16 ноября 1737 г. от имени кардинала композитору был запрещен въезд в Феррару, что в те времена считалось позором. Это означало, что теперь вся духовная карьера Вивальди была разрушена и наносила довольно ощутимый материальный ущерб. Все сильнее ухудшались его отношения с руководством "консерватории". И дело было не только в его частых разъездах - музыка Вивальди уже стала считаться старомодной.

В конце 1740 г. Антонио расстается с "консерваторией", которая была обязана ему многолетней славой. Собираясь в длительное путешествие и испытывая материальные затруднения, Вивальди устраивает распродажу своих концертов по низкой цене. Будучи в возрасте 62 лет, композитор решает покинуть Италию и найти счастье в других странах. Но, несмотря на то, что когда-то он был всеми принимаем, его произведениями восхищались, в конце жизни Антонио Вивальди был всеми забыт и покинут. Скончался знаменитый итальянский виртуоз 28 июля 1741 г. в Вене. Он является одним из самых ярких представителей композиторов того времени, а его инструментальные композиции занимают достойное место в мировом музыкальном наследии.

Композиторы 18 века оказали огромное влияние на будущее развитие музыки, хотя они не всегда получали признание при жизни и становились известными. Просто общество той эпохи не могло оценить всей силы их таланта, красоту и глубину их . Навязываемые им рамки были слишком тесными для их дарования, для них музыка была смыслом жизни. Но потомки смогли по достоинству оценить их творчество, и до сих пор на всех концертах продолжают исполнять их гениальные произведения.

1. Краткая История Английской Музыки
2. Послушать музыку
3. Яркие представители Английской музыки
4. Об авторе этой статьи

Краткая История Английской Музыки

Истоки
  Истоки английской музыки – в музыкальной культуре кельтов (народ, проживавший в первом тысячелетии на территории современной Англии и Франции), носителями которой, в частности, были барды (певцы-сказители древних кельтских племён). В числе инструментальных жанров – танцы: жига, контрданс, хорнпайп.

6 - 7 века
  В конце 6в. – начале 7в. развивается церковная хоровая музыка, с которой связано становление профессионального искусства.

11 - 14 века
  В 11-14в. Распространилось музыкально- поэтическое искусство менестрелей. Менестрель - в средние века профессиональный музыкант и поэт, иногда рассказчик, служивший у феодала. Во 2-ой половине 14в. развивается светское музыкальное искусство, создаются вокальные и инструментальные придворные капеллы. В первой половине 15в. выдвигается английская школа полифонистов во главе с Джоном Данстейблом

16 век
  Композиторы 16 века
К. Тай
Д. Тавернер
Т. Таллис
Д. Дауленд
Д. Булл
Центром светской музыки стал королевский двор.

17 век
 В начале 17в. формируется английский музыкальный театр, ведущий своё начало от мистерий (музыкально – драматический жанр средневековья).

18- 19 века
  18–19 века – кризис в английской национальной музыке.
 В национальную музыкальную культуру проникают иностранные влияния, итальянская опера завоёвывает английскую аудиторию.
В Англии работали видные иностранные музыканты: Г.Ф.Гендель, И.К.Бах, Й.Гайдн (посещал 2раза).
  В 19 веке Лондон становится одним из центров европейской музыкальной жизни. Здесь гастролировали: Ф.Шопен, Ф.Лист, Н.Паганини, Г.Берлиоз, Г.Вагнер, Дж.Верди, А. Дворжак, П.И.Чайковский, А.К.Глазунов и др.. Создаются театр «Ковент-Гарден» (1732), Королевская академия музыки (1822), Академия старинной музыки (1770, первое концертное общество в Лондоне)

Рубеж 19 – 20 веков.
  Возникает так называемое английское музыкальное возрождение, то есть движение за возрождение национальных музыкальных традиций, проявлявшееся в обращении к английскому музыкальному фольклору и достижениям мастеров 17 века. Эти тенденции характеризуют творчество новой английской композиторской школы; её видные представители – композиторы Э.Элгар, Х.Пэрри, Ф.Дилиус, Г.Холст, Р.Воан-Уильямс, Дж. Айрленд, Ф.Бридж.

Вы можете послушать музыку

1. Пёрселл (Жига)
2. Пёрселл (Прелюдия)
3.Пёрселл (Ария Дидонны)
4.Rolling Stones "Ролинг Стоунз" (Kerol)
5. Beatles "Битлз" Yesterday

Яркие представители Английской музыки

Г. Пёрселл(1659-1695)

  Г. Пёрселл - крупнейший композитор семнадцатого века.
  В 11-летнем возрасте Пёрселл написал первую оду, посвящённую Карлу II. С 1675 г. в различных английских музыкальных сборниках регулярно публиковались вокальные произведения Пёрселла.
  С конца 1670-х гг. Пёрселл – придворный музыкант Стюартов. 1680-е гг. – период расцвета творчества Пёрселла. Он одинаково успешно работал во всех жанрах: фантазии для струнных инструментов, музыка для театра, оды – приветственные песни, сборник песен Пёрселла "Британский Орфей" . Многие мелодии его песен, близкие народным напевам, приобрели популярность и пелись при жизни Пёрселла.
  В 1683 и 1687 гг. были изданы сборники трио – сонат для скрипок и баса. Обращение к скрипичным сочинениям было новшеством, обогатившим английскую инструментальную музыку.
  Вершина творчества Пёрселла – опера "Дидона и Эней" (1689), первая национальная английская опера (по мотивам "Энеиды" Вергилия). Это крупнейшее явление в истории английской музыки. Её сюжет переработан в духе английской народной поэзии – опера отличается тесным единством музыки и текста. Богатый мир образов и чувств Пёрселла находит разнообразное выражение – от психологически углублённого до грубовато-задорного, от трагического до шутливого. Однако доминирующее настроение его музыки – проникновенный лиризм.
 Большая часть его творений вскоре была забыта, и сочинения Пёрселла получили известность лишь в последней трети 19-го века. В 1876г. было организовано общество Пёрселла. Интерес к его творчеству усилился в Великобритании благодаря деятельности Б. Бриттена.

Б.Э.Бриттен(1913 - 1976)

  Один из крупнейших мастеров английской музыки 20 века – Бенджамин Бриттен – композитор, пианист и дирижёр. Начал сочинять музыку с 8 лет. С 1929 года учится в Королевском музыкальном колледже в Лондоне. Уже в юношеских произведениях проявились его самобытный мелодической дар, фантазия, юмор. В ранние годы важное место в творчестве Бриттена занимают сольные вокальные и хоровые сочинения. Индивидуальный стиль Бриттена связан с национальной английской традицией (изучение творческого наследия Пёрселла и других английских композиторов 16 - 17 вв.). К числу лучших сочинений Бриттена, получивших признание в Англии и других странах, принадлежат оперы «Питер Граймс», «Сон в летнюю ночь» и другие. В них Бриттен предстаёт как тонкий музыкальный драматург – новатор. «Военный реквием»(1962 г.) – трагическое и мужественное произведение, посвящённое острым современным проблемам, осуждающее милитаризм и зовущее к миру. Бриттен гастролировал в СССР в 1963 , 1964 ,1971.

Музыкальные группы 20 века
«Роллинг Стоунз»

  Весной 1962 г. гитарист Брайн Джонс организовал группу, название которой было «Роллинг Стоунз». В состав «Роллинг Стоунз» вошли Мик Джаггер (вокал), Брайн Джонс и Кит Ричардз (гитары), Билл Уаймен (бас – гитара) и Чарли Уоттса (ударные).
  Эта группа принесла на британскую сцену жёсткую и энергичную музыку, агрессивную манеру исполнения и раскованное поведение. Они пренебрегали сценическими костюмами, носили длинные причёски.
 В отличии от «Битлз» (которые вызывали симпатию) «Катящиеся камни» стали воплощением врагов общества, что позволило завоевать стойкую популярность среди молодёжи.

«Битлз»

  В 1956 г. создан вокально – инструментальный квартет в Ливерпуле. В состав группы входили Джон Леннон, Пол Маккартни, Джордж Харрисон (гитары), Ринго Старр (ударные).
  Коллектив завоевал бешенную популярность исполнением песен в стиле «биг – бит», а с середины 60-х годов песни «Битлз» стали более сложными.
  Они удостоились чести выступать во дворце перед королевой.

Об авторе этой статьи

В своей работе я использовал следующую литературу:
- Музыкальный энциклопедический словарь. Гл. ред. Р.В.Келдыш. 1990
- Журнал «Студенческий меридиан», 1991 г. Спец.выпуск
- Музыкальная энциклопедия, Гл. Ред. Ю.В.Келдыш. 1978
- Современная энциклопедия «Аванта плюс» и «Музыка наших дней», 2002 г. Гл. ред. В.Володин.

Музыка композиторов 17 - 18 вв.в репертуаре юных музыкантов

Сегодня в нашем концерте вы познакомитесь с произведениями композиторов 17 - 18 веков.

В это время музыка начала звучать не только в церкви. На исходе 17 столетия в основных европейских странах возникло движение Просвещения, оно оказало большое влияние на музыку и музыкантов. Композиторы стали писать музыку для различных инструментов, которые раньше только аккомпанировали хору или отдельным певцам. Орган, клавесин, скрипка, арфа, лютня, виола-да-гамба. Эти инструменты стали звучать дома, на концертах, праздниках, в театрах. Создаются целые оркестры. Появляются концертные залы.

В репертуаре наших учеников музыка великих композиторов прошлых веков занимает очень важное место. На лучших художественных образцах обучаются музыкальному искусству современные дети. Усваивая основные законы формы, голосоведения, гармонии, стиля как фундамент музыкального образования, юные дарования будут двигаться дальше своим путём, и открывать новые законы. Поэтому так важно с самых ранних лет обучения исполнять и понимать произведения, возраст которых исчисляется столетиями.

Умение исполнять эту музыку оценивается на экзаменах. Вы часто слышите дома, как дети их разучивают. Но в концертах чаще исполняется более легкая для восприятия программа. Поэтому, сегодня мы предлагаем вам уделить внимание именно тем произведениям, с помощью которых ваши дети осваивают музыкальное искусство. А заодно, мы расскажем кое-что о композиторах 17-18 вв. и поясним названия произведений.

Какие же композиторы жили и творили в то далёкое время?

В Италии наиболее известными для нас были: А. Корелли, Д. Скарлатти, Д. Чимароза, Л. Боккерини, Ф. Дуранте. Итальянская музыка отличается певучестью и красотой. Основными инструментами, для которых сочиняли композиторы, были скрипка, клавесин и орган.

В творчестве итальянских мастеров, в особенности Д. Скарлатти, большое развитие получила форма сонаты. Слово «соната» - итальянское, производное от глагола «соноре» - «звучать». Термин появился в конце 16 в. и означал - «то, что играют», в отличие от Кантаты - «то, что поют». Таким образом, изначально сонатами назывались почти все музыкальные произведения. На протяжении веков Соната оставалась излюбленным жанром в творчестве композиторов. В разные времена и по-разному они старались ярко и интересно отразить действительность, картины народной жизни, веселые праздники, пляски, выразить мысли и различные настроения людей. Небольших размеров сонаты и технически не очень сложные принято называть Сонатинами. Мы предлагаем вам послушать 2-ю часть сонатины датского композитора и пианиста немецкого происхождения Фридриха Кулау.

1. Ф. Кулау Сонатина Соч. 55 №1, ч.1

Во 2-й половине 18 века, главным образом в произведениях венских классиков (Й. Гайдна, В.А. Моцарта, Л.Бетховена), сложилась Сонатная форма и до наших дней эта музыкальная форма продолжает развиваться в творчестве композиторов разных стран. Сегодня мы познакомимся с сонатами австрийского композитора Йозефа Гайдна - выдающегося представителя венской композиторской школы.

2. Й. Гайдн Соната Соль мажор, ч.4

3. Й. Гайдн Соната №12 Соль мажор, ч.1

Самые яркие примеры бессмертной музыки великого немецкого композитора, представителя венской классической школы, Людвига ван Бетховена уже давно звучат вне стен концертных залов. Предлагаем вам вернуться к одному из известнейших его произведений. Сам Бетховен назвал своё сочинение Сонатой-фантазией. Однако, современник и большой почитатель гения Бетховена немецкий поэт Л. Рельштаб дал ей название «Лунная» и до сих пор это наименование прочно сохраняется. Обратимся к своим внутренним размышлениям, переживаниям, вечным вопросам.

4. Л. Бетховен Анданте из Сонаты Соч. 27 №2 до диез минор

Во Франции жили и творили композиторы Ф. Куперен, Ж. Люлли, Ж. Рамо, Ж.-Ф. Дандриё. Музыкальные особенности и традиции страны наложили отпечаток на творчество этих композиторов. Французская музыка не отличается такой певучестью, как итальянская. Из инструментов преобладает клавесин. Клавесин - предшественник фортепиано, название происходит от латинского «клавис» - ключ, отсюда и название «клавиша». Это инструмент клавишно-щипковый. На конце молоточка, которым кончалась клавиша, было маленькое перышко, которое в момент нажатия клавиши цепляло за струну. Звук клавесина блестящий, но малопевучий. Основными оттенками были форте и пиано (громко и тихо). Для того, чтобы обогатить возможности инструмента, композиторы стали придумывать различные украшения - морденты, трели, форшлаги. Если в Италии на музыку оказало влияние пение, голос, то во Франции большое влияние на музыку оказала живопись, французская природа, жизнь. Музыкальные произведения - это маленькие картины. Люди нашли поэтическое воплощение ежедневных впечатлений в музыкальных произведениях, таких как «Кукушка», «Дудочки», «Пастушка» и др. Широкой известностью пользуется пьеса «Тамбурин» композитора Жана Филиппа Рамо. Тамбурин - это ударный музыкальный инструмент, род небольшого барабана. Игрой на этом инструменте издавна сопровождался один из старинных народных танцев, также получивший название «тамбурин».

5. Ж.Ф. Рамо Тамбурин

Для клавесина было написано очень много пьес в танцевальном жанре: Менуэты, Контрдансы, Гавоты и др. У всех этих танцев разное происхождение и история. Так Контрданс - английский народный танец (название происходит от английских слов соuntry dance - сельский танец). Этот старинный танец в 18 - начале 19 вв. был очень популярен и распространился во многих странах, особенно во Франции, как бальный. Состоял из чередования различных танцевальных фигур в оживлённом темпе, преимущественно мажорного характера; размеры 2/4, 6/8. В музыкальной литературе известны контрдансы В.А. Моцарта, Л. Бетховена и многих других композиторов.

6. Старинный танец Контрданс

Контрданс - Экоссез. Это быстрая, обычно мажорная разновидность, Контрданса. Экоссез, в переводе с французского, - шотландский народный танец, размер 2/4. В 18 - начале 19 в. Экоссез распространился как бальный танец, в наше время он забыт. Стилизованные Экоссезы, преимущественно, для фортепиано есть у Л. Бетховена, Ф. Шуберта, Ф. Шопена. Присутствует Экоссез в опере «Евгений Онегин» П. Чайковского.

7. Старинный танец Контрданс - Экосез

Среди старинных танцев большой популярностью пользовался Менуэт - танец французского происхождения в умеренном темпе и трехдольном размере. Предшественник Менуэта - Амене, который в свою очередь произошел от хороводного танца крестьян провинции Пуату. Менуэт времен Людовика 14 - изящный великосветский парный танец. До конца 18 в. в Менуэт оставался самым популярным танцем в среде европейской аристократии. Менуэт Леопольда Моцарта австрийского композитора, отца и первого учителя гениального Вольфганга Амадея Моцарта мы представляем вашему вниманию.

8. Л. Моцарт Менуэт

Мы уже говорили сегодня об итальянской музыке, о том, что она мелодичная и певучая, но еще не слушали ее. Познакомимся с Менуэтом итальянского композитора и органиста Доменико Циполи - это ученик Доменико Скарлатти. Его мелодичные пьесы для органа и клавесина были очень популярны. Мессы, мотеты и духовные композиции Циполи широко исполнялись в церквах Южной Америки.

9. Д. Циполи Менуэт

В Германии музыка 17-18вв. носит более серьезный, строгий и философский характер. Среди клавирных произведений широкое распространение получила Сюита (в переводе с французского - последовательность). Старинная сюита состояла из 4 танцев: Алеманды, Куранты, Сарабанды и Жиги. Нередко в старинную сюиту по желанию композитора включались Менуэт, Паспье, Гавот, Бурре и пр. Бурре - в переводе с французского - «набивать», «колотить». Французский (овернский) крестьянский танец, возникший в середине 16 в. В 17-18 вв. - быстрый придворный танец в размере 2/2, с обязательным затактом; часто встречается синкопа на третьей или седьмой доле музыкальной фразы. В сюитах Бурре обычно следует за Сарабандой. Мы послушаем Бурре немецкого композитора Иоганна Кунау.

10. И. Кунау Бурре

Из немецких композиторов того времени наиболее известным для нас является Иоганн Себастьян Бах. Творчество этого музыканта - универсала, отличающееся всеохватностью жанров (кроме оперы), обобщило достижения музыкального искусства нескольких веков на грани барокко и классицизма. Будучи ярко национальным художником, он соединил традиции протестантского хорала с традициями австрийской, итальянской, французской музыкальных школ. Бах писал полифонические (многоголосные) произведения, в которых каждый голос можно спеть, и все они одинаково важны.

С творчеством великого И.С. Баха закончилось сложение музыки как самостоятельного автономного вида искусства, независимого от смежных художественных ветвей - слова, театра, танца. В это эпоху установились и утвердились все системы художественного языка музыки

Мы знаем много произведений И.С. Баха для клавира. «Маленькие прелюдии и фуги» знакомы каждому ученику музыкальной школы, обучающемуся игре на фортепиано.

Слово Прелюдия, в переводе с различных языков - итальянского, английского, французского, немецкого, латинского, означает - «играть предварительно», «готовиться к игре». Это инструментальная пьеса, предваряющая крупное произведение или группу пьес; также она может быть и самостоятельной инструментальной миниатюрой. Истоки жанра Прелюдии - в импровизациях церковных органистов, устанавливающих лад (модус) музыки, которая должна исполняться во время службы; аналогичными импровизационными вступлениями исполнители проверяли настройку и тон своих инструментов.

Фуга - в переводе с латинского и итальянского - «бег». Полифоническая форма, основанная на имитационном экспонировании и развитии ведущей мелодической идеи (или нескольких идей). Термин «Фуга» известен с 14 или 15 века; до эпохи раннего барокко он обозначал строгую имитацию или канон. Форме Фуга исторически предшествовали инструментальные формы, производные от вокальной полифонии 16 века: ричеркар, фантазия, канцона.

11. И.С. Бах Прелюдия и фуга №8 ля минор из «Маленьких прелюдий и фуг»

Произведения композиторов 17-18 вв. были новыми для своего времени. Они подготовили богатейшую почву для развития музыки последующих времён.

Литература
1. Булучевский Ю.С., Фомин В.С. Краткий музыкальный словарь для учащихся. - 8-е изд. - Л.: Музыка, 1986.
2. Музыкальный словарь Гроува. Пер. с англ. - М., Практика, 2001.
3. Холопова В.И. Музыка как вид искусства. - М., НТЦ «Консерватория», 1994.

Полякова Е.