Водкин художник. Кузьма петров-водкин

Женские образы на картинах

Петрова-Водкина Кузьмы Сергеевича (1878-1939)

Автопортрет. 1926-1927

Есть художники, занимающие в искусстве особое место. Их работы резко отличаются от произведений современников, но вместе с тем не являются чем-то чуждым общему процессу художественного развития, а, скорее, дополняют и обогащают его.
Именно такой своеобразной и крупной личностью был в русском и советском искусстве первой трети нашего века Кузьма Сергеевич Петров-Водкин.

Без творчества Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина трудно представить историю русского изобразительного искусства. В работах мастера своеобразно преломились многие принципиально важные черты нашей культуры, они оказывают несомненное влияние и на современных художников.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился 24 октября (5 ноября) 1878 года в городе Хвалынске Саратовской губернии Российской империи, в семье сапожника.

Будучи учеником четырёхклассного городского училища, Кузьма познакомился с двумя местными иконописцами, у которых он мог наблюдать за всеми этапами создания иконы. Под впечатлением он пробует самостоятельно писать иконы и пейзажи масляными красками. В 1893 году он окончил училище.

В своих автобиографических книгах «Хлыновск» и «Пространство Эвклида» Кузьма Петров-Водкнн рассказал о своем детстве и юности. Отец его был сапожником в приволжском городке Хвалынске, мать была родом из деревни. Впечатления юности, любовь к безграничным волжским просторам 258 впоследствии не раз послужили для него источником творческого вдохновения. Но прежде чем стать художником, Кузьме Петрову-Водкину пришлось преодолеть барьер предрассудков. В среде, в которой он вырос, искусство считалось «баловством». Сам он писал об этом так: «Мне казалось, что я становлюсь барчуком, Ухожу от живого труда в какую-то эмпирею, откуда выхода к здоровой жизни нет...»

После недолгого пребывания в Самаре, он уехал в Петербург в училище Штиглица, а затем перебрался в Москву в Училище живописи, ваяния и зодчества. Там среди его профессоров был и В. А. Серов, произведения которого очень нравились молодому художнику. В Училище Петров-Водкин подружился с П. В. Кузнецовым и М. С. Сарьяном. Как и его друзьям, большую пользу ему принесли поездки за границу. В 1901 году он работал в одной из лучших мастерских Мюнхена у А. Ашбе. В Мюнхене он впервые хорошо познакомился с произведениями французских импрессионистов и постимпрессионистов, картинами Г. фон Маре и Ф. Ходлера. В 1905 году, окончив Училище, Кузьма Петров-Водкин решает пройти еще одну «академию» и отправляется на три года в путешествие. Он побывал в Греции, Италии, совершил поездку по Северной Африке, долго жил в Париже и показывал там свои работы на выставках. Его интересует в это время очень многое. Впоследствии все эти увлечения «переплавятся» и помогут рождению собственного стиля, но в ранних произведениях еще есть несомненные следы увлечений Пювисом де Шаванном и Гогеном, Матиссом и ста-рыми мастерами Италии.

В 1910 году, по возвращении на Родину, Петров-Водкнн устроил выставку своих работ в редакции журнала «Аполлон». Огромнейшее впечатление на него в этот период производит древнерусское искусство. В знаменитой картине

«Купание красного коня» (1012)

уже ясны принципы его живописи. Кузьма Петров-Водкин идет от традиций русской фрески. Он сторонник картины как произведения, выражающего большие идеи своего времени. И не удивительно, что «Купание красного коня» трактуют очень широко, символически, как блоковский образ России, «степной кобылицы».

В предреволюционные годы начинается и работа Петрова-Водкина над темой «Материнства», проходящей через всю его жизнь. В таких его полотнах, как «Мать» (1913), «Утро» (1917), «Матери» (1925) мастер поэтически показывает нам величие и чистоту русской женщины-матери.

Остро чувствуя ограниченность выразительных возможностей традиционной итальянской перспективы, Петров-Водкин разрабатывает свою теорию, которую несколько приблизительно называют сферической перспективой. В основе ее лежит желание увидеть землю как планету, добиться того, чтобы человек почувствовал себя частью мира. Это был отнюдь не только технический прием, «погоня» за современными достижениями науки. «Сферическая перспектива» художника играет значительную идейную роль. Она помогает ему передать величие человека, его «масштаб», дает новый необычный угол зрения. Очень интересно Петров-Водкин трактует и цвет как выразительное и идейное средство живописи. Нередко у него только три цвета — красный, синий, зеленый. Каждый из них несет определенные и вполне конкретные чувства. Это понимание роли цвета сходно с пониманием цвета в древнерусском искусстве и в устном народном творчестве, где солнышко всегда красное, луг — зеленый, небо — синее.

В первые революционные годы Петров-Водкин работает очень напряженно. Он преподает в Академии художеств, оформляет улицы и площади Петрограда к революционным праздникам, делает обложку первомайского номера журнала «Пламя». Лучшее его полотно этого периода — «Петроград в 1918 году», которое порой называют «Петроградская мадонна» . В нем обычный для тех дней эпизод — переселение бедноты в новые квартиры, — напряженная и суровая атмосфера эпохи показаны во всей своей значительности и красоте. Художник хочет, чтобы искусство его служило всем людям и упорно ищет новых путей. «Я почувствовал, как и многие в то время, всю огромную ответственность моего дела, моего искусства перед этими двинувшимися к жизни массами».

После революции по-настоящему развернулось и дарование Петрова-Водкина как портретиста. Особенно известен его строгий по форме «чеканный» портрет поэтессы Анны Ахматовой (1922), ряд портретов жены,

«Желтое лицо» (1921)

и другие. С огромной настойчивостью пишет мастер свои полотна о революции: «После боя» (1923) и

«Смерть комиссара» (1927),

которые стали заметным событием в культурной жизни Советской страны. В «Смерти комиссара» показана красота подвига, чувствуется величие идеи, во имя которой отдает свою жизнь герой. Здесь нет и тени «смакования» физических страданий. Все — лозы людей, характер их взаимоотношений, странный «планетарный» пейзаж — говорит о важности и возвышенности подвига...

Петров-Водкин в разные годы изредка оформлял театральные постановки, книги, но сам он не придавал решающего значения этой своей деятельности. Многое для понимания особенностей творчества и личности художника дает знакомство с его теоретическими статьями.

Петров-Водкин был одним из реорганизаторов системы художественного образования. С 1918 по 1933 г. он преподавал последовательно в Петроградских Государственных свободных художественных учебных мастерских (ПГСХУМ), ВХУТЕМАС, ВХУТЕИН, Институте пролетарского изобразительного искусства (ИНПИИ), ИЖСА.

В августе 1932 года К. С. Петров-Водкин избирается первым председателем Ленинградского отделения Союза советских художников (ЛОССХ).

Литераторских мостках Волкова кладбища.

Могила художника

ВИКИПЕДИЯ

Представляю вам женские образы художника, которые произвели на меня сильное впечатление . На редкость удачное смешение совершенно противоположных тенденций от Ренессанса и импрессионизма до древнерусской живописи позволило Петрову-Водкину создавать одновременно странные, фантастические и в то же время необыкновенно реальные вещи, в том числе прекрасные женские портреты.

Петров - Водкин

Богоматерь с Младенцем, 1904-1905. Холст, масло. Собрание П.О. Авена.

Берег. 1908

Девушки на Волге. 1915

Две девушки. 1915

Портрет жены художника. 1906

Портрет М. Ф. Петровой - Водкиной. 1907

Кадуша. Африка. 1907

Женский портрет (Портрет неизвестной). 1908

Портрет А. П. Петровой - Водкиной, матери художника. 1909

Монументальная голова. 1910-1911

Портрет Н. Грековой (Казачка). 1912

Портрет М. Ф. Петровой - Водкиной. 1912

Портрет М. Ф. Петровой - Водкиной. 1913

Женская голова. 1913

Богоматерь Умиление злых сердец. 1914-1915

Портрет жены художника. 1913

Портрет Рии (Портрет А. А. Холоповой). 1915

Фектя. 1915

Голова юноши. 1918

Петроградская мадонна.1920

Портрет А. А. Ахматовой. 1922

Портрет Н. Л. . 1922

Голова девочки. 1922

Портрет М. Ф. Петровой - Водкиной, жены художника. 1922

Портрет Л. М. Эренбург. 1924

Мадонна с младенцем. 1923

В детской. 1925

Первые шаги. 1925

Материнство. 1925

Девочка на пляже. 1925

Портрет С. Н. Андрониковой. 1925

Девушка в красном платке (Работница). 1925

За самоваром. 1926

Цыганки. 1926-1927

Девушка в саду. 1927

Мать и дитя. 1927

Девушка в сарафане. 1928

Девушка у окна. 1928

Портрет дочери на фоне натюрморта. 1930-е

Девочка за партой. 1934

Дочь художника. 1933

Портрет дочери художника. 1935

Девочка с куклой. 1937

Девочка в лесу. 1938

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич, русский художник, теоретик искусства и писатель.

Родился в Хвалынске (Саратовская губерния) 24 октября (5 ноября) 1878 в семье сапожника; сумел получить художественное образование при поддержке местных купцов. Учился в классах живописи и рисования Ф.Е.Бурова в Самаре (1895–1897) и Центральном училище технического рисования Штиглица в Петербурге (1895–1897). В 1905 окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его наставников был В.А.Серов. Посещал студию А.Ашбе в Мюнхене (1901) и частные академии Парижа (1905–1908).

В эти же годы много путешествовал по Западной Европе и Средиземноморью, побывал в Северной Африке; позднее большое значение для него имели также крымские и среднеазиатские впечатления. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старинных (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения) традиций. Был членом объединений «Мир искусства» и «Четыре искусства». Жил в Ленинграде, а с 1927 – в Пушкине.

Целиком в духе символизма решены уже его ранние картины, где преобладают мотивы легенды или волшебного сна (Сон, 1911; Играющие мальчики, 1911; обе работы – в Русском музее, Петербург). Монументальным свидетельством творческой зрелости явилось знаменитое полотно Купание красного коня (1912) – простой сельский сюжет превращен (благодаря плавной ритмике форм и звучному локальному колориту) в поэтическое обобщение о судьбах России. Так же воспринимаются картины Мать (1913) и Девушки на Волге (1915).

В своих новаторских монументально-декоративных работах (росписи в храме Василия Златоверхого в Овруче, 1910, Морском Никольском соборе Кронштадта, 1913, росписи и витраж в Троицком соборе города Сумы, 1915) Петров-Водкин выступает как замечательный мастер «церковного модерна». Религиозные мотивы порой одухотворяют и его светские композиции (1918 год в Петрограде (с фигурой Богоматери с Младенцем на первом плане), 1920; все картины – в Третьяковской галерее).

В 1910-е годы складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет ему, изображая натуру в ракурсах сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты». По-своему «планетарны», монументально-значительны даже его натюрморты (Селедка, 1918, Русский музей), портреты же воспринимаются как масштабные духовные вехи своего времени (Автопортрет, 1918; А.А.Ахматова, 1922; оба портрета – в Третьяковской галерее).

Искренний «попутчик» революции, мастер создал эпически-идеализированные образы Гражданской войны (После боя, 1923, Центральный музей Вооруженных сил, Москва; Смерть комиссара, 1928, Русский музей). Но картина 1919 год. Тревога (1934, там же), с питерским рабочим, которого посреди ночи вызывают в ополчение, закономерно воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами, а многофигурное Новоселье (1937, Третьяковская галерея) –на тему «уплотнения бывших буржуев» – как сатира на новый быт.

Петров-Водкин часто (начиная с ранних подражаний М.Метерлинку) обращался к литературе, особенно в свой поздний период. Романтически-эмоциональны, весьма самобытны по жанру его Хлыновск (1930) и Пространство Эвклида (1933) – своего рода «вымышленные автобиографии», где причудливо сочетаются черты авантюрного романа, теоретического трактата и мемуаров. Плодотворно работал также как художник театра и педагог (преподавал в школе Е.Н.Званцевой (1910–1915) и Академии художеств (1918–1933).

Как много известных художников может вспомнить человек, жизнь которого не связана с искусством? Пять, может быть даже восемь или двенадцать. Все мы знакомы с искусством художников с мировым именем: К. Малевича, С. Дали, В. Ван-Гога, П. Пикассо и т. д. Но вот отечественные живописцы известны немногим, а ведь наша страна богата на талантливых людей. Биография Петрова-Водкина, своеобразного художника советского периода, будет рассказана в этой статье.

Ранние годы

Художник Петров-Водкин, биография которого интересна современному поколению, стал одним из самых популярных творцов в советский период. Сложно ли было ему пробиться через социальный барьер? На удивление легко. Вырос Кузьма Сергеевич в бедной семье. Его отец был лучшим сапожником на деревне, но, как известно, труд ремесленников всегда плохо оплачивался. Мать художника работала домработницей у богатых соседей. Так как ее занятость требовала постоянного присутствия, семье пришлось перебраться жить во флигель купеческого дома.

Кузьма Петров-Водкин, биография которого насыщена всякими знаками судьбы, был, видимо, рожден под счастливой звездой. Именно поэтому, несмотря на финансовые неурядицы родителей, будущий художник мало в чем нуждался. Его опекали родственники, которые и поспособствовали тому, чтобы у ребенка было счастливое детство.

Обучение

Биография Петрова-Водкина удивительна: как такой необразованный человек смог добиться таких высот? Это можно объяснить только упорной работой над собой, ведь, как известно, ремесленники и их дети очень усердны.

Свое начальное образование Кузьма получил в приходской школе. Это были всего четыре класса, где мальчик познал азы арифметики и научился писать. Знакомство с живописью произошло в церкви. Именно там Кузьма познакомился с иконописцами и стал активно копировать их работы, а также создавать собственные творческие произведения.

Занятия живописью никто не воспринимал всерьез: ни будущий художник, ни его родители. Поэтому в 15 лет Кузьма собрал вещи и поехал поступать в железнодорожное училище. Переезд в Самару был довольно затратный, да и возвращаться домой юноше не хотелось, поэтому после провала на экзамене Кузьма поступает в живописный класс Ф. Бурова. Здесь трудолюбивый юноша осваивает азы реалистического искусства, большое внимание уделяет изучению литературы. По окончании начального образования, благодаря удачной судьбе, Кузьма поступает в Петербургское училище рисования. Именно здесь, в классах В. Серова, Петров-Водкин официально закончил учиться на художника.

Творчество

Самостоятельная жизнь художника началась с поездки за границу. Биография Петрова-Водкина в этот период недостаточно достоверна, даже несмотря на то, что художник писал ее сам. Талант писателя-фантаста Кузьма выражал, как мог, поэтому свои мемуары дополнял забавными эпизодами, которые явно были преувеличены. Например, художник писал, что в Сахаре он сражался с кочевниками, а в Риме был похищен. Его подъем на действующий Везувий также вызывает сомнения. Но все же читать такие заметки интересней, чем скудный на события мемуарник.

Нужно сказать, что она имела большой успех. В следующем году Кузьма пишет картину «Сон». Вокруг этого полотна разразилось много споров, которые только подожгли интерес общества к живописцу. В 1912 году Петров-Водкин написал самую свою известную картину «Купание красного коня».

Послереволюционная жизнь самобытного художника сложилась как нельзя лучше. Он стал профессором Академии художеств, а также председателем Ленинградского союза художников. Многие коллеги не понимали стиля Кузьмы и поэтому не одобряли его работы. Действительно, художник часто перегибал палку, заставлял своих учеников идти по своим стопам и рисовать всего в трех цветах.

Семейная жизнь

Биография Петрова-Водкина довольно разнообразна, а вот личная жизнь художника спокойна и размеренна. Женился Кузьма рано и свою жену привез себе из первой заграничной поездки. Мария Йованович была дочерью владелицы квартиры, которую снимал художник в Париже. Рассказы супругов о том, кто кому сделал предложение руки и сердца, очень противоречивы.

Кузьма говорит, что именно Мария хотела выйти замуж за начинающего и уже успешного художника. Мара говорит о том, что Кузьма сделал ей предложение в то время, когда она позировала ему для картины. Так или иначе, этот союз был крепким. Художник обожал жену и, будучи в командировках, писал ей длинные письма. Долгое время у супругов не было детей, и только на 37-м году жизни Мария подарила Кузьме дочку.

Художник обожал Леночку, и именно ему приходилось ухаживать за ребенком в первые годы жизни девочки.

Закат творчества

В свои последние годы художник не мог брать в руки кисть. Врачи поставили ему диагноз «туберкулез», когда Кузьме было 30 лет. Но молодой человек никак не хотел лечить свою болезнь и продолжал жить в средней полосе России, где погода иногда бывает слишком сурова.

Художник Петров-Водкин, краткая биография которого очень насыщенна событиями, последние годы своей жизни провел довольно плодотворно. Ему пришлось оставить полюбившиеся столицы и переехать в Крым. Писать маслом он не мог, так как болезнь обострялась от резких запахов. Поэтому живописец решил заняться полюбившейся ему с детства литературой. Он писал рассказы и даже пьесы. Современники не оценили его литературных начинаний, но художник и не собирался переквалифицироваться в писателя. Перед самой смертью опять взял в руки кисть, так как знал, что дни его сочтены.

Умер Кузьма Сергеевич в 1939 году в Ленинграде.

Лучшие произведения

Художник Петров-Водкин, биографию которого мы рассмотрели выше, был очень талантлив.

• «Купание красного коня» - это самая известная работа Петрова-Водкина. Сюжет, ракурс и стиль - все необычно и ярко. Вдохновением для написания полотна Кузьме послужили древнерусские иконы, именно поэтому все фигуры на картине вытянуты и выполнены в непривычном развороте.
• «Сон» - наиболее скандальная картина художника. Нельзя сказать, что самая яркая, но именно благодаря этому полотну фамилия Петрова-Водкина не сходила с уст интеллигентных граждан более полугода. Картина для того времени была слишком откровенная, и не все ее смогли оценить по достоинству.
• «Портрет Анны Ахматовой». Художнику очень нравилось творчество поэтессы, стихи которой читали на любом собрании в любой компании. Но как человек, Анна живописцу не нравилась никогда. Ее портрет, несмотря на самобытность, пронизан холодом и отчуждением, хотя и выполнен с достоверной точностью.

Вклад в искусство

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин, биография которого сполна насыщена событиями, внес огромный вклад в российское искусство. Удивительным фактом является то, что после смерти художника его работы больше не экспонировались, а значит, не привлекали к себе внимание общественности. Конечно, можно сказать, что это делалось с целью освободить место для молодых талантов, но все же такая теория маловероятна. Только в 1960-х годах о художнике вспомнили и начали повторно восхищаться его творениями, ведь Кузьме Петрову-Водкину удалось выработать свой стиль, который соединял в себе тематику советского периода, иконописную стилистику и насыщенность цвета. Прямых последователей у художника не было, но в его творчестве черпали вдохновение многочисленные талантливые люди.

Биография и интересные сведения о художнике

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин, краткая биография которого описана в этой статье, сумел много добиться. Расскажем о странных, интересных или просто судьбоносных событиях в жизни художника.

1. Дед Кузьмы был страшный пьяница, и в один из своих запойный вечеров в порыве гнева убил свою жену.
2. Архитектор Мельцев первым смог разглядеть талант художника и помог устроить юное дарование в Петербургское училище рисования Штиглица.
3. Графиня Ю. Казарьина, у которой работала мать Кузьмы, оплачивала петербургское обучение и спонсировала дальнейшею жизнь художника в течение 18 лет.
4. В своем творчестве Петров-Водкин использовал всего три цвета: красный, желтый и голубой. Правда, голубой цвет художник иногда заменял на зеленый.
5. Кузьма Сергеевич был не только художником-живописцем, но и смог проявить себя как талантливый график и оформитель театральных декораций.

Групповой портрет художников Мира искусства (1916-20) кисти Кустодиева. Петров-Водкин стоит лицом к зрителю, взявшись рукой за стул.

Судьба мастера
Жизнь Петрова-Водкина, сына сапожника из маленького провинциального городка, сложно назвать безмятежной, но мастер и не ждал от жизни покоя.
Его отец был обувщиком. В 1881 году он пошел в армию и его отправили в Петербург, куда в скором времени к нему перебралась жена Анна Пантелеевна, сын жил вместе с нею, во флигеле барского дома.

Уже в школьные годы он свел знакомство с неким Филиппом Парфенычем, иконописцем-старовером, и изрядную часть своего свободного времени проводил в его мастерской. Тем не менее, себя самого он еще не мыслил живописцем и по окончании четырехклассного городского училища, проработав лето в судоремонтных мастерских, попытался поступить в самарское железнодорожное училище. К счастью, экзамены были благополучно провалены. Это подтолкнуло Петрова-Водкина к мысли о том, чтобы профессионально заняться «художествами». Зиму он перебивался случайными заказами от самарских вывесочников, а весной пришел в шкулу живописи Ф. Е. Бурова. То был живописец посредственный, но искренне влюбленный в искусство и всячески старавшийся привить эту любовь своим ученикам. Когда Петров-Водкин начал заниматься у Бурова, тот был уже тяжело болен. В апреле 1898 года он скончался, художник уехал в родной Хвалынск, где мать его работала служанкой у Михайловых.

Автопортрет, написанный Петровым-Водкиным в 1918 году.

В описываемое время сюда же приехала сестра хозяйки Анны Пантелеевны, богатая петербургская дама Ю. И. Казарина, пожелавшая построить дачу неподалеку от Хвалынска. В видах предстоящей стройки Казарина выписала из Санкт- Петербурга знаменитого в ту пору архитектора Р. Ф. Мельце- ра. Дальнейшее происходило в лучших сказочных традициях. Михайловы воспользовались случаем и показали архитектору рисунки юноши, выросшего на их глазах. Мельцер был поражен его способностями и предложил ему помощь в получении дальнейшего образования. Казарина обещала оказать материальную поддержку этому предприятию. В этом заведении готовили скорее не художников, а ремесленников, «прикладников», и молодой провинциал, поначалу с головой окунувшийся в занятия, через некоторое время охладел к системе, насаждаемой в училище. В 1897 году он перевелся в Московское училище живописи. После нескольких лет застоя как раз «повеяло свежестью» благодаря переменившемуся преподавательскому составу. Соучени­ками и товарищами художника стали такие впоследствии известные живописцы Михаил Ларионов, Илья Машков, Петр Уткин.
В МУЖВЗ Петров-Водкин шел одним из первых как по рисунку, так и по всем остальным предметам. Более того, обладая умом пытливым и неуспокоенным, он стремился приобщиться к таким областям знания, которые ему как художнику, казалось бы, никогда не должны были пригодиться. Осенью 1899 года Кузьма Сергеевич сообщил матери (с нею он делился почти всеми своими переживаниями) о своем впечатлении от физики и химии. Следует отметить, однако,что даже в эти годы Петров-Водкин мог бы сделать гораздо большие успехи в живописи, если бы не «разбрасывался» своими талантами. Некоторое время он пытался совместить занятия изобразительным искусством с литературой, подумывая даже о том, чтобы именно литературу сделать «главным ремеслом» своей жизни.
В 1905 году, уже после окончания училища и получения диплома «неклассного живописца», Петров-Водкин отправился в свое первое большое заграничное путешествие - по Италии (до этого он бывал только в Мюнхене). По возвращении в Петербург художник несколько месяцев почти не притрагивался к краскам, будучи поглощен ходом постановки своей пьесы «Жертвенные» в театре Гайдебурова. Успех ее настолько вдохновил его, что, даже приехав в Париж, он продолжил работать над постановкой. Охлаждение к литературе наступило лишь год спустя.
Парижский период ознаменован не только напряженными занятиями живописью, но и серьезными переменами в личной жизни Петрова-Водкина. В 1906 году, живя в скромном семейном пансионе в пригороде Парижа, он сошелся с Марией Йованович, дочерью хозяйки. Роман развивался быстро, и вскоре уже Кузьма Сергеевич сделал Маре, как все называли девушку, предложение. Молодые люди заключили брак в мэрии (обвенчаться они смогли лишь несколькими годами позже, да и то не без затруднений, - Мария была католичкой) и переехали в Париж.
Революцию 1917 года мастер принял так же, как и многие представители интеллигенции того времени, - с энтузиазмом. Он участвовал в различных комиссиях, которых организовывалось так много, выполнял плакаты, преподавал в Высшем художественном училище, читал лекции. В 1921 году Петров-Водкин был командирован в Туркестан в качестве члена научно-художественной экспедиции, призванной определить состояние разрушающихся памятников архитектуры и «художественно зафиксировать» их.
В 1922 году, 1 октября, родилась Елена Петрова-Водкина, «Ленушка», единственная и долгожданная дочь художника, появление на свет которой было праздником не только для немолодой уже четы, но и для Анны Пантелеевны, заждавшейся внуков.
Следующие годы прошли, как и предыдущие, в трудах и разъездах. К прежним заботам прибавилась борьба с туберкулезом легких, обнаруженным у Петрова- Водкина в 1927 году. Болезнь протекала капризно, то давая надежду на выздоровление, то вновь лишая мастера сил жить и работать.
15 февраля 1939 года, через два года после последней персональной выставки художника (в Русском музее) и через гол после написания последней картины, Кузьма Сергеевич Петров-Водкин скончался.

Творчество Петрова-Водкина

Девушки на Волге
(1918) 96 х 120 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Девушки на Волге

Иконописные традиции
Платок, обмотанный вокруг головы этой девушки, напоминает венец, изображаемый на иконах вокруг голов святых.
«Конструкция» косогора, с которого спускаются женщины, делает его чрезвычайно похожим на традиционные иконописные «горки» с «лещадками» (уступами).

«Йод и синька» - так назвал любимое Петровым-Водкиным сочетание цветов один из художественных критиков.
Рядом с матерью стоит маленькая девочка. Обратите внимание ка то, что художник сознательно пренебрегает здесь пропорциями детского тела, изображая ребенка «уменьшенным взрослым». Точно так же пишут детей (например, Деву Марию на иконах «Введение во храм») иконописцы.

Наравне с «Купанием красного коня», картина «Девушки на Волге» может быть названа одной из важнейших вех в творчестве Петрова-Водкина. Начата она, как и многие другие работы мастера, в Хвалынске и основана на впечатлениях действительной жизни. Эскиз картины, сделанный в 1914 году, совершенно не обещает ни масштабности, ни величавой статичности, которые определяют звучание «Девушек на Волге». С точки зрения колорита, полотно построено в полном согласии с водкинской теорией «трехцветий», предполагавшей работу с тремя основными цветами спектра - синим, красным и желтым. Звучная, открытая цветовая гамма придает картине особые декоративность и монументальность, свойственные уже некоторым предыдущим вещам Петрова-Водкина (в том числе «Купанию красного коня»). Кроме того, очевидно, что при работе над «Девушками» художник помнил о старинных русских иконах и фресках мастеров Раннего Возрождения, виденных им во время путешествия по Италии.

Селедка
(1918) 58 х 88,5 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Селедка Петров-Водкин

Художник умело передает фактуру влажного ржаного хлеба. Он не разрезан на куски, а лежит «пайкой», и это тоже примета времени - хлеб не резали, чтобы он «не растерялся на крошки».
Все «герои» натюрморта - кусок хлеба, картофелины, селедка - изображены отдельно друг от друга (то есть ни один из них не загораживает другой). Это придает им некую значительность и одновременно делает натюрморт еще более «сиротским».
Обычная петроградская селедка 1918 года.
В меру тощая, с пятнами ржавчины, набившая уже оскомину и все-таки жадно съедаемая.
Некоторые искусствоведы полагают, что красная скатерть, на которой лежит селедка, имеет символическое значение, изображая собою «революционные будни».
В этом нищенском натюрморте, так не похожем ни на роскошные снеди Снейдерса, ни даже на скромные кухонные картины Шардена, отразилась, как в зеркале, целая эпоха. И уже в 1918-19- 20 годах она постепенно становилась историей. Наравне с Домом искусств, наравне с блоковскими «Двенадцатью» и печкой-буржуйкой, растапливаемой книгами и дедовской мебелью и согревающей лишь небольшой пятачок вокруг себя.

1918 год в Петрограде
(1920) 73 х 92 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

1918 год в Петрограде

Разбитые стекла в окнах, за которыми полнейшая темнота, наводят на мысль, что до революции в этом адании располагалось некое казенное учреждение.
Петербуржцы вспоминали, что в 1918-19 годах все стены в городе были заклеены декретами и воззваниями, поначалу собиравшими вокруг себя толпы, а некоторое время спустя - боязливо обходимыми.
Лицо женщины сразу же ассоциируется с ликом Богоматери. «Усугубляют» эту иконописную ассоциацию и белый платок на голове, и накидка на плечах женщины, похожая на Покров Богородицы.
Владислав Ходасевич, живший в годы военного коммунизма в Петрограде, вспоминал, что город удивительно похорошел в своем несчастии.

Одно из самых знаменитых полотен художника, известное также под названием «Петроградская мадонна». Это тоже - картина-символ, картина-эпоха. Автор не ставит перед собой задачу «сфотографировать» действительность, однако ни одной «нереальной» детали мы здесь не найдем. Мрачные здания, каких так много в Петербурге-Петрограде, широкие пустые улицы, люди в изветшавшей одежде, занятые обсуждением слухов и добыванием пищи. Все это - на заднем плане. Впереди же и (что немаловажно) как бы «над» панорамой революционного Петрограда - женщина в белом платке с иконописным ликом, прижимающая к груди дитя - ровесника, по-видимому, октября 1917 года. И в этой женщине тоже нет ничего «мистического». Мало ли было таких женщин и таких младенцев во все времена на Руси? Одним словом, ложной многозначительности в картине нет. Но есть подлинная значительность. И женщина с младенцем, стоящая над Петроградом, воспринимается не только как мать своего ребенка, но и как хранительница жизни, будущего, защитница тех маленьких людей, что брошены под колеса истории вместе со своими семьями, скарбом, надеждами и страхами.

1919 год. Тревога
(1934) 169 х 138 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

1919 год. Тревога

«Тревога» - последнее значительное полотно художника. Первые наброски к нему он создал в 1925 году, но должно было пройти еще почти десять лет, чтобы образ обрел законченность, зазвучал в полную силу. Время действия картины Петров-Водкин обозначает довольно четко - 1919 год, однако зритель вправе отнестись к этой дате с недоверием. 1934 год не менее способствовал тревожному настроению, страху за семью, за свою жизнь, за будущее детей. Поэтом)» вполне уместно предположить, что цифра, проставленная мастером, декларативна, и на самом деле «Тревога» представляет собой «чемодан с двойным дном». Подобное «двойное дно» обнаруживается во многих живописных и литературных произведениях 1930-х годов. Так, в «Судьбе барабанщика» Гайдара мы имеем дело с мальчиком, чей отец сидит в тюрьме за растрату, но подспудно в этой повести звучит несколько иной мотив (вернее, сплетение нескольких горьких мотивов), наводящий читателя на мысль, что не растрата имела место быть, а нечто другое.

Отец семейства, прильнувший к стеклу, - конечно, самая выразительная фигура во всей композиции. Кто он? Мелкий клерк, мастер на заводе, бухгалтер? Над его скромным благополучием (может быть, над жизнью даже) нависла угроза, синей темнотой вползающая в окно.
На стуле лежит смятая газета. Кроме «красного» заголовка, в ней отчетливо читается только одно слово - «свраг». Этим словом пестрели газеты как в 1919-м, так и в 1934 году.

Лишь самый младший член семьи ни о чем не беспокоится и улыбается во сне. Эта детская сонная безмятежность
придает картине нечто особенно щемящее.

Купание красного коня
(1912) 160х186 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва «Купание красного коня» явилось вехой не только в творчестве Петрова-Водкина, но и во всей истории русской живописи (и даже более общо - в истории России). После октября 1917 года огненный конь, напоминающий коня Георгия Победоносца со старинных икон (недаром в то время наш герой уделял много времени изучению творений древних мастеров-иконописцев), стал восприниматься многими как. символ перемен, ожидавших страну.
Нужно сказать, что даже сам автор картины был потрясен тем новым звучанием, которое получила его картина после Первой мировой войны и революции. В 1912 году «знать» о том, что ждет Россию, было еще нельзя. Но можно было смутно предчувствовать. И надо сказать, что предчувствия владели, по-видимому, не только Петровым-Водкиным, но и устроителями выставки «Мира искусства», поместившими «Купание» над входом, как алый стяг.
Лошади, эти статные благородные животные, на протяжении многих веков вдохновляли живописцев.
Если совершить даже не очень глубокий экскурс в историю искусства, станет ясно, что конь - одно из самых популярных животных у живописцев и скульпторов. Благородство черт, стать, горделивый нрав лошадей вдохновляли художников самых разных эпох. Увлеченно рисовали лошадей Леонардо да Винчи и Паоло Уччелло. Творчество английского художника Стаббса было почти целиком «лошадиным». Дега проводил на скачках долгие часы с альбомом для набросков и карандашом. А Франц Марк, талантливый, но, к сожалению, рано погибший немецкий мастер, каждой своей «конской картиной» буквально признавался в любви к лошадям. Он писал: «Мы не должны изображать лес или лошадь такими, какими мы привыкли их воспринимать. Мы должны изображать их сущность, лежащую за границами видимого сходства». Однако «Красный конь» Петрова-Водкина стоит в стороне от произведений вышеназванных художников, ибо он был вдохновлен скорее не «светской» традицией изображения лошадей, а иконописной. В иконописи же конь Георгия Победоносца возвышался до символа, олицетворяя собою светлую силу, побеждающую зло.
Иконописец и авангардист
Решающую роль в творческой судьбе Петрова-Водкина, одного из интереснейших мастеров русского авангардасыграло знакомство с древними иконами.
Свой путь в искусстве Петров-Водкин начал в старообрядческой иконописной мастерской родного Хвалынска. Именно здесь он впервые взял в руки кисти, попробовав повторить работу иконописцев. Возможность «сделать чудо самому» потрясла его, однако в этом потрясении было еще много детски-неопределенного. Осознанное решение посвятить себя живописи Петров-Водкин принял лишь в 1894 году, когда поступил в Классы рисования и живописи Бурова, посредственного живописца, «застывшего» на полпути между академизмом и критическим реализмом. Занятия у него помогли юному художнику лишь поначалу. Усвоив азы, в Классах делать было, в сущности, нечего. Гораздо более полезными оказались два года, проведенные художником в училище Штиглица.

Богоматерь Умиление злых сердец (1914-15) - одна из ≪иконописных≫ работ Петрова-Водкина.

Символизм
Говорить же с полным правом о символизме в творчестве Петрова-Водкина мы получаем возможность лишь начиная где-то с 1906 года, то есть с первых картин, написанных молодым художником в Париже. Все они в той или иной мере обнаруживают увлечение мастера французским символизмом, в особенности - творчеством Пьера Пюви де Шаванна. Из-под полы увиденный Пюви проглядывает почти во всех работах Петрова-Водкина этого периода. Блеклый «фресковый» колорит, стремление к бессюжетности и одновременно к многозначительности образа, статичность поз, архаизация - все эти черты, присущие искусству Пюви де Шаванна, без труда находятся и в водкинском «Береге» 1908 года (вверху). Более самостоятелен «Сон» (слева), написанный уже в 1910 году, в Петербурге. Однако и он сильно напоминает « композиции-видения» Пюви.

Мать и дитя

Мать и дитя

Поначалу Петров-Водкин был очень увлечен занятиями и шел среди лучших учеников, однако через некоторое время ему прискучила «немецкая рутина», и он сбежал. Сбежал, что характерно, не в Академию художеств, а в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Художественная жизнь в Москве тех лет била ключом. Ученики МУЖВЗ, разочаровавшиеся в реалистической живописи в духе поздних передвижников, напряженно искали новые средства выразительности, методом проб и ошибок вырабатывали собственное художественное мироощущение. Подобные поиски были немыслимы без поисков «новых кумиров». Таковыми стали для Петрова- Водкина и его однокашников Борисов-Мусатов и Врубель («Врубель был нашей эпохой», - говорил впоследствии герой нашего выпуска). Жила в молодых людях к тяга к путешествиям, к освоению и «одомашниванию » новых горизонтов. Мартирос Сарьян едет в Армению. Пазел Кузнецов - через Скандинавию на север России, Сатинов «сотоварищи» - в Италию. Петров-Водкин псначалу удовлетворял свою страсть к дороге частыми поездками в Петербург, где он исполнял «живописные поручения» Мельцера и рекомендованных им заказчиков но в 1901 году и он решил совершить настоящее путешествие. Планы были грандиозными: на велосипеде проехать через Варшаву и Мюнхен в Италию. Велосипед приказа. со жить на русско-германской границе, и Италик г.г «отменить». Однако до Мюнхена сюда Петров-Водкин стремился, главным образом, ради известной школы Антона Ашбе) художник все-таки добрался, сделав по дороге остановку в Дрездене с его знаменитой Картинной галереей. Б том же году состоялось событие, буквально перевернувшее все представления Петрова-Водкина о живописи: на Восьмой Международной художественной выставке он увидел работы французских импрессионистов. Знакомство с Моне, Сислеем, Ренуаром, Писсарро посеяло в нем. Как показало дальнейшее творческое развитие мастера, импрессионизм не был близок ему, но в 1901 году встреча с ним имела большое значение для молодого живописца, продемонстрировав ему относительность тех идеалов, которым он привык поклоняться.
Вернувшись в Москву, художник перешел из общих классов МУЖВЗ в мастерскую Валентина Серова, скоро отметившего выдающиеся способности своего ученика.
Летом 1902 года Петров-Водкин, Кузнецов и Уткин отправились в Саратов, где должны были расписать одну из местных церквей. К сожалению, мы не имеем возможности судить о справедливости этих Слов мэтра: еще до того как росписи были закончены, в саратовской прессе появились гневные статьи, только что не призывавшие предать анафеме авторов ««нечестивых картин». Состоялось заседание церковного суда, и по его постановлению росписи уничтожили. Другой ранний опыт работы в церковном искусстве оказался для Петрова-Водкина более удачным. Этот образ, свидетельствующий о явном влиянии монументальных произведений Врубеля, и сейчас находится на своем месте.
По окончании училища Петров-Водкин неожиданно оказался несколько в стороне от художественной жизни. Его товарищи во главе с Павлом Кузнецовым образовали объединение «Голубая роза». Он не вошел в него, хотя с точки зрения «идеологии» еще ничего не мог противопоставить концепции новой группы. До окончательного самоопределения оставалось несколько лет. Пока же новоявленному «неклассному живописцу» (так Петров-Водкин был назван в дипломе) предстояло совершить путешествие по Италии, ибо он давно жаждал увидеть мастеров Проторенессанса и Раннего Возрождения, в чьих работах смутно чувствовал нечто близкое собственному умонастроению. После Италии и краткого «российского перерыва» были Париж, ставший для Петрова-Водкина важнейшей практической школой (достаточно лишь сказать, что в 1906-07 годах он сделал больше рисунков, чем когда бы то ни было), и путешествие по Северной Африке, внесшее свежую струю в начинавший уже «академизи- роваться» стиль художника.

Жанр

Так остро чувствуется здесь хрупкость налаженного обихода, отношений, что вчуже боязно становится и за эту женщину, и за этого мужчину, и даже за девственно-белую фарфоровую чашку на синей скатерти. Еще меньше от «жанра» в жанровой, по сути, картине «На линии огня», 1916 (вверху) с уже почти сопричисленным к ангельскому лику бледным офицериком, приложившим руку к груди (там, где еще бьется сердце).

Стиль и техника
Петров-Водкин был блестящим портретистом. Работая в жанре портрета, он стремился не столько к тому, чтобы было «похоже», но, главным образом, к тому, чтобы в его картине чувствовался дух времени. Каждый его портрет - это «человек в эпохе». Такой подход давал удивительные результаты. Действительно, человек не может быть «анахроничен», он всегда живет в своем времени, вольно или невольно впитывая в себя его приметы, принимая на себя его клеймо. Весьма показателен в зтом отношении портрет писателя С. Д- Мстиславского, созданный в 1929 году (справа). В нем нет никаких дополнительных деталей. Только человек и условный фон. Однако и без дополнительных «подпорок» художнику удается создать здесь зримый образ своего современника, пережившего и 1905-й, и 1914-й, и 1917 год.

Портреты

Первой работой, выставленной Петровым-Водкиным по возвращении в Санкт-Петербург, был «Сон», обнаруживший тяготение автора к символистской обобщенности образов и монументальности. Увы, подобная возможность мастеру таге и не представилась, но - странное дело -- даже в станковых работах он умел достичь величия, которое свойственно в мировой живописи, в сущности, очень немногим вещам (например, ранним темперным фрескам итальянских мастеров).
Несколько лет до революции и несколько после нее - период расцвета дарования Петрова-Водкина. После 1917 года к творческой работе прибавилась еще и препо давательская. Впрочем, преподавать Кузьма Сергеевич начал уже давно, однако открывшееся перед ним в 1918 году поле деятельности - «сделать истинный “храм искусства” из Академии» - по масштабам своим затмевало все прошлые его педагогические опыты. Нужно сказать, что Водкину-профессору симпатизировали далеко не все. Некоторые студенты его просто «обожали». Другие же считали диктатором, способным замучить всех своей теорией «грехцветия» и «сферической перспективой». Довольно резко отзывался о Петрове-Водкине, например, Константин Сомов, которому также предлагали преподавать в «обновленной Академии» (он отказался): «Все тот же скучный, тупой, претенциозный дурак…»

Портерет Анны Понтелеевны, Петровой-Водкиной, матери художника, 1909, холст, масло

Медовый месяц советской власти и авангардного искусства продолжался, как известно, недолго. Но Петрову-Водкину «повезло». Вплоть до самой смерти он работал, выставлялся и даже получал официальные заказы (участвовать в оформлении так никогда и не построенного Дворца Советов). Однако в 1940-50-х годах картины его практически исчезли из экспозиций крупных музеев, а выставка была за это время проведена лишь одна, да и то какая-то случайная и совершенно «не представительная». Только в 1966 году прошла первая посмертная «настоящая» выставка Петрова-Водкина в Русском музее, и именно после нее художник занял достойное место в пан теоне русских живописцев XX столетия.

СКРИПКА (1918). Мало кто знает, что Петров-Водкин был не только замечательным художником и своеобычным писателем, но еще и талантливым скрипачом-дилетантом. Вот как вспоминала об этом его увлечении М. Ф. Петрова-Водкина:«Одним из любимых его занятий была скрипка. Играл - и вполне профессионально - Паганини, Моцарта, но чаще всего Моцарта, чья полная молодости, чистоты и солнца музыка возбуждала творческую фантазию мужа».

Смерть комиссара

СМЕРТЬ КОМИССАРА (1928). в этой картине Петров-Водкин вновь, как и в других своих «жанровых» работах, пытается подняться до «вселенскости». На руках бойца умирает комиссар - душа отряда, уходящего прочь от своего командира. Благодаря использованной здесь сферической перспективе этот уход звучит как уход дальше в историю, дальше в революцию. Комиссар остается, но руки его еще сжимают винтовку, а взгляд полон веры в светлое будущее.

Дом-музей Петрова-Водкина, Хвалынск

В этом доме, купленном Петровым-Водкиным для своих родителей, усилиями сотрудников воссоздана та обстановка и атмосфера, что была в нем при жизни художника.
В 1967 году его затопило водохранилище. Поэтому мемориальный музей художника расположен в доме, купленном им для своих родителей по окончании МУЖВЗ - на деньги, полученные за майоликовый образ Богоматери, о котором шла речь в разделе «Стиль и техника». Дом этот, принадлежавший до Водкиных Хвалынскому кузнецу, на улице, которая теперь она носит имя Ленина.
Здесь было вольготно жить большому семейству (Анна Пантелеевна, мать художника, взяла на воспитание четверых осиротевших племянников), сюда любил приезжать и сам Кузьма Сергеевич. Увы, в доме родителей он не находил необходимого ему покоя и уединения - с утра до ночи в нем бурлила хозяйственная жизнь. Тем не менее, с 1909 по 1916 год он бывал здесь каждое лето, хотя иногда и позволял себе жаловаться в письмах к жене. Однако обидеть мать и купить себе отдельный дом в Хвалынске художник так и не решился.

В этом доме, купленном Петровым-Водкиным для своих родителей

После окончания гражданской войны поездки Петрова-Водкина на родину возобновились (последний раз мастер был в Хвалынске в 1932году). В годыВеликой Отечественной войны в этом доме жила эвакуированная из Ленинграда Мария Федоровна Петрова-Водкина с дочерью Еленой. В 1943 году она продала дом мужа. Тяжело было пойти на это, но очень нужны были средства для возвращения в Ленинград.
Впервые мысль о создании музея в доме на углу Дворянской и Грошовой (Ленина и Горького) возникла еще в 1970-е годы. Ее высказал Ф. Г. Пичиенко, хвалынский художник и краевед, возглавлявший в то время местный краеведческий музей. Но потребовались еще годы и годы упорного преодоления бюрократических заслонов, чтобы эта идея смогла воплотиться в жизнь. Осенью того же года в Хвалынск приехала дочь мастера, Елена Кузьминична Дунаева. Ее рассказы оказали сотрудникам новорожденного музея неоценимую помощь в восстановлении интерьеров дома. Из мемориальных вещей в экспозицию дома-музея вошли кисти и палитра Петрова-Водкина, его бювар, а также тюбетейка и халат, подаренные ему во время командировки в Среднюю Азию в 1921 году.
Кроме того, сотрудники потратили немало сил на то, чтобы найти в домах жителей Хвалынска предметы мебели и «обиходные мелочи» для создания «правдоподобной обстановки». Особенный интерес представляют буфет и стол, находящиеся в столовой. Бывшие владельцы этой мебели утверждали, что приобрели ее в свое время у Петровых-Боткиных.

Древних икон в собрании галереи нет, все они относятся к XVIII-XIX векам, но интерес, тем не менее, представляют большой — ведь на примере именно таких икон Петров-Водкин, будучи подростком, впервые познакомился с искусством иконописи. Здесь представлена икона «Страшный Суд со Страстями Христовыми» мастера П. И. Суконцева, созданная в середине XIX столетия и имеющая происхождение из хвалынской кладбищенской церкв. Особенность ее состоит в том, что в ней соединены Страстной цикл (помещен в верхней части композиции) и Страшный Суд.

Ранний этюд ≪Окрестности Хвалынска≫ (1909) выполнен еще не вполне в ≪водкинской≫ манере.

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)

Творческая судьба Петрова-Водкина складывалась счастливо. Превращение сына сапожника в знаменитого живописца, стремительное перемещение его из волжского захолустья в центры европейской культуры (Петербург, Москва, Мюнхен, Рим, Париж), его соседство с крупнейшими деятелями искусства в рафинированных столичных кругах - все это кажется фантастичным.

Петров-Водкин . Автопортрет.. 1926

В живописи Кузьмы Сергеевича отобразился парадоксальный строй его личности: провинциально-цепкое, хозяйски-бережливое отношение к материалу духовной деятельности, с одной стороны, а с другой - космический размах гипотез, проектов, удивительная свобода мышления, интеллектуальное бескорыстие.

Первые робкие опыты привели пятнадцатилетнего юношу в Классы живописи и рисования Бурова (Самара). В 1895 с помощью меценатов он отправился в Петербург и поступил в ЦУТР. Но спустя два года, осознавая свое живописное призвание, Кузьма Сергеевич перешел в МУЖВЗ, там ему посчастливилось работать в мастерской В. А. Серова. Кроме того, в 1901 он побывал в Мюнхене и посещал художественную школу Ашбе .

Годы пребывания в МУЖВЗ (окончил в 1904) отмечены литературными занятиями (проза и драматургия), подчас столь интенсивными, что художник даже колебался в выборе между живописью и литературой. Путешествие в Италию, длительное пребывание во Франции, учеба в парижских студиях, знакомство с современным европейским искусством расширили художественный горизонт Петрова-Водкина, окончательно определив выбор пути. Поездка в Северную Африку послужила основой работ, показанных в парижском Салоне (1908), а затем и на родине.

Берег. 1908

В 1909 в редакции журнала "Аполлон" состоялась первая персональная выставка Петрова-Водкина. На следующий год художник стал членом объединения "Мир искусства", с которым был связан до его роспуска (1924). Уже в ранний период творчество Петрова-Водкина отмечено символистской ориентацией ("Элегия", 1906; "Берег", 1908; "Сон", 1910); здесь, безусловно, сказалось влияние старших современников - Врубеля, Борисова-Мусатова, Пюви де Шаванна и в области литературы - Метерлинка.

Общественный резонанс первых выступлений художника носил противоречивый характер. Картина "Сон" вызвала бурную полемику и принесла молодому живописцу широкую известность, поскольку лагерь критики возглавил Репин, а защиту - Бенуа. Одни видели в Петрове-Водкине "новейшего декадента", у других с его творчеством связывались "аполлонические" ожидания, утверждение неоклассической тенденции. Сам же художник не мог судить о себе столь определенно: называя себя "трудным художником", он не лукавил.

Как "гимн Аполлону", как заклятие "чудовищного смятения" (Бенуа) современной действительности, призывом и предчувствием грядущего очищения и обновления мира была воспринята критикой появившаяся в 1912 на выставке "Мира искусства" картина Петрова-Водкина "Купание красного коня". Торжественный, соединяющий яркую декоративность и углубленный психологизм в трактовке "высшей формы на земле" - человеческого лица, стиль работ Петрова-Водкина как бы синтезирует в себе самые различные традиции, духовно и формально близкие художнику. В его живописном языке чувствуется влияние образов Высокого Возрождения и восточного искусства, преемственная связь с искусством Венецианова и А. Иванова, близость исканиям современных французских мастеров, прежде всего Матисса. Но особенно важное значение имело для художника открытие в те годы величия древнерусского искусства, которому Петров Водкин, по его словам, "протягивал руку" для воплощения на полотнах "святых" основ человеческого бытия.

Мать. 1915

На протяжении 1910-х амплитуда поисков Петрова-Водкина остается очень широкой. Рядом с холстами монументально-декоративного характера, не лишенными стилизации ("Девушки на Волге", 1915), возникают психологизированные образы в "оболочке" почти натуралистической формы ("На линии огня", 1916). Наиболее органичными представляются произведения, связанные с темой материнства, проходящей через все творчество Петрова-Водкина ("Мать", 1913; "Мать", 1915; "Утро. Купальщицы", 1917).

Девушки на Волге. 1915

В то же время созревают идеи, приведшие Петрова-Водкина к созданию единственной в своем роде художественной системы. На первый план выдвигается проблема пространства, находящая разрешение в "сферической перспективе". Принципиальное ее отличие от "итальянской" перспективы - в расчете на динамику зрителя. Вместе с тем это организация символического пространства, адресующая к восприятию любого фрагмента действительности с "планетарной" точки зрения. Разнообразие пространственных позиций в картине связано с законом тяготения: наклонные оси тел образуют как бы веер, раскрытый изнутри картины. Чертами такой организации отмечены многие произведения: "Полдень. Лето" (1917), "Спящий ребенок" (1924), "Первые шаги" (1925), "Смерть комиссара" (1928), "Весна" (1935).

Богоматерь. Умиление злых сердец. 1914-1915

Понимание пространства как "одного из главных рассказчиков картины" вместе со специфическим истолкованием роли цвета (на основе первичной триады: красный, желтый, синий) определили зрелый живописный стиль Петрова-Водкина. Космологический символизм сказывается и в портретах ("Автопортрет", 1918; "Голова мальчика-узбека", 1921; "Портрет Анны Ахматовой", 1922).

Петроградская мадонна.1920

Кузьма Сергеевич считал живопись орудием совершенствования природы человека и стремился обнаружить в нём проявление вечных законов устройства мира , сделать каждое конкретное изображение олицетворением связи космических сил. Может быть, именно это позволяло ему читать судьбу по лицам. В первые послереволюционные годы х удожник особенно часто обращался к натюрморту, находя в этом жанре богатые экспериментальные возможности ("Утренний натюрморт", 1918; "Натюрморт с зеркалом", 1919; "Натюрморт с синей пепельницей", 1920). Натюрморты Петрова-Водкина с красноречивой точностью передают суровый дух времени ("Селедка", "Скрипка", оба 1918). Многие произведения построены по принципу двойной экспозиции ("1918 год в Петрограде", 1920; "После боя", 1923; "Смерть комиссара", 1928), что дает повод ассоциировать его живопись с языком кинематографа.

На рубеже 1920-х и 1930-х Кузьма Сергеевич, вынужденный на время оставить живопись из-за болезни , вновь обратился к литературному творчеству. Он написал автобиографические повести "Хлыновск" и "Пространство Эвклида", в которых широко развил взгляды на природу и возможности искусства. Последнее значительное произведение Петрова-Водкина - "1919 год.Тревога" (1934). Хотя название картина адресует к конкретным историческим событиям, она содержит контрастные смыслы и вырастает до символа эпохи. Тревога за отечество, человеческие судьбы, будущее детей в 1934 приобрела иной смысл, нежели в 1919-м.

Петроград 1918 год. Тревога. 1934

Ориентация на вечные ценности, присущая творчеству Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина, не могла быть принята идеологией сталинского времени. После смерти его имя оказалось полузабытым. Только в середине 1960-х Петрова-Водкина открывали вновь, уясняя масштаб его дарования и ценность творческого наследия.

artsait.ru ›Петров-Водкин

Черёмуха в стакане, 1932

Новоселье (Рабочий Петроград). 1937

Ведь по всем характерным особенностям своего дарования, по размаху композиций, по оригинальной особенности своего колорита Петров-Водкин - это самый типичный художник для больших пространств, художник для фресковой живописи... Таких художников, как Петров-Водкин, которых неотразимо влечет от "станковой" живописи около мольбертов к простору, к фреске, все больше и больше в нашем художественном мире. Но негде им проявить свое дарование и приходится ломать себя и, как знать, в большей степени терять себя.

Баженов Н.

Фантазия, 1925

Оригинал записи и комментарии на