Картины европейских художников 17 века. Школьная энциклопедия. Картины русских художников

Одним из главенствующих стилей является барокко: это яркий порывистый стиль, проявляющийся в пышности и излишествах. Основоположником барокко, зародившегося в Италии можно считать Микеланджело да Караваджо.

Первым и наиболее ярким представителем церковного барокко стал художник, известный под именем Эль Греко. Творчество де Сильва Веласкеса считается вершиной испанского искусства золотого века барокко.

Величайшими представителями фламандской живописи 17 века являются Питер Рубенс и Рембрандт.

В начале 18 столетия ведущее положение занял новый стиль – рококо. Название этого направления произошло от французского слова, означающего «узор из камней и раковин». Характерной особенностью нового направления был уход от реальной жизни в придуманный мир, что находило яркое выражение в творчестве лучших представителей стиля.

Одним из представителей первого периода французского рококо является Антуан Ватто, Франсуа Буше, Никола Ланкре. Портретный жанр получил развитие в творчестве Жана Наттье.

В итальянском рококо ярким представителем стиля был Джованни Тьеполо, Франческо Гварди, Пьетро Лонги.

Во второй половине 18 века на смену легкому, рафинированному стилю рококо в живописи пришел классицизм с его глубоким содержанием и стремлением к идеальному эталону. Представителями французского классицизма середины 18 века являются Жозеф Мари Вьен, Жак Луи Давид. Представителями германского классицизма – Антон Менгс, Антон Графф, Франц Маульберч.

На рубеже 16-17 веков в живописи Италии возникают два художественных направления: одно связано с искусством Караваджо, второе - с творчеством братьев Караччи. Деятельность этих мастеров не только в значительной степени определила характер итальянской живописи. Но и оказала воздействие на искусство всех европейских художественных школ 17 века.

Сущность реформы Караваджо заключалась в совершенно безоговорочном признании эстетической ценности реальной действительности, к изображению которой он обратился в своей живописи. Опыты Караваджо на раннем этапе творчества - один из источников развития бытовой жанровой живописи в искусстве 17 века, например картина «Гадалка».

Караваджо «Гадалка»

Однако в живописи на традиционные сюжеты Караваджо остается верен себе - он «перевел» Священную Историю на народный язык. Искусство Караваджо породило целое направление - караваджизм, получивший распространение не только в Италии, но и в Испании, Фландрии, Голландии, Франции.

Караваджистами называют как истинных последователей, постигших сущность реформы Караваджо (Орацио Джентилески, Джованни Серодине), так и многочисленных подражателей, заимствующих мотивы и приемы из произведений художника.

В 17 веке в Италии выразительно развитая форма барокко с присущей ей ощущения «естественности» стирала как бы грань между иллюзией и реальностью. Классицизм и реализм - свойственные той эпохе тенденции, противопоставлялись стилю барокко или другим компонентам этого стиля. Великий пейзажист Сальватор Роза, Алессандро Маньяско, Джованни Серодине, Доменико Фетти - вот далеко неполный список последователей Караваджо.

Итальянский художник Микеланджело Меризи да Караваджо (1573-1610) является крупнейшим мастером реалистического искусства 17- го века. Он становится истинным наследником Возрождения, будучи бунтарем в искусстве и в жизни он смело ломает академические каноны. В картине раннего его творчества «Гадалка» он описывает женщину в белой кофте, которая предсказывает молодому человеку, одетому в шелковый камзол плащ и в шляпе со страусовым пером его судьбу.

Герои художника обычные люди, он старается приодеть их в красивые одежды и сделать как можно миловиднее. В картине Караваджо «Успение Марии» в первую очередь обращают на себя внимание апостолы, убитые горем и собравшиеся вкруг умершей Божьей Матери. Богородица лежит в алых одеждах, руки безвольно обвисли, глаза закрыты, бледный вид, подчеркнутый примененным алым цветом, типичным для работ Караваджо.

В помещении столпились пришедшие попрощаться с покойницей. Лысые головы мужчин склонились в скорбном молчании, кое-кто, горюя, смахивает слезу. На маленьком стульчике сидит скорбящая девушка. Сломленная горем, она положила свою голову на руки и плачет.

Репродукция картины Караваджо «Смерть Марии»

Самый интересный из всех мастер - караваджист Джованни Серодине (1600-1630). Родившийся в Северной Италии, обучаясь в Риме, и увлекшись караваджизмом, юноша выработал собственный стиль написания картин.

В картине «Христос, проповедующий в храме» резкий свет выявляет выразительную палитру Серодине, в которой преобладают коричневатые и красноватые тона. Драматический световой эффект предвосхищает картины Рембранта. Серодине пишет стремительными сильными мазками, придавая его образам драматическую напряженность, а цвет и свет придают органичность живописному единству.

Наряду с реалистичным искусством стиля Караваджо, в 17 веке также обозначилось и другое художественное явление, такое как болонский академизм, возникший в тесной связи с формированием нового стиля в архитектуре и живописи - барокко. В этом преуспели художники - братья Агостино и Аннибале Караччи и их брат Лодовико Караччи. Братья старались использовать ренессансное наследие, особенно талантливым был Аннибале Караччи. Он являлся фактически ведущей фигурой в новом течении. Аннибале Караччи создавал торжественное монументальное искусство, особенно применяемое в росписях церквей, дворцов и алтарных образов. Создается новый алтарный тип картины, например, «Мадонна, являющаяся святому Луке».

Репродукция Аннибале Караччи «Мадонна, являющаяся святому Луке».

Тосканец же художник Орацио Джентилески (1565-1639), который родился в Пизе, навсегда сохранил черты тосканской культуры: вкус к утонченным драпировкам, четким формам, холодным цветам. Он также был подражателем Караваджо, но более обращал внимание на идиллическую передачу образов как, например, в картине «Отдых на пути в Египет»

Фото картины Орацио Джентилески «Отдых на пути в Египет»

Жанрово-реалистические искания наиболее отчетливо выразились в творчестве художника Доменико Фетти (1589-1623). Фетти отдавал дань и реалистичному караваджизму и барочной живописи; в его работах наиболее заметно влияние венецианских художников Рубенса и пейзажиста Эльсгеймера. Сам Фетти проявился как превосходный колорист, пишущий небольшими вибрирующими мазками и оживляющие холсты голубовато-зеленые и коричнево-серые цвета красок. Он больше стремится писать жанрово-лирические образы, трактуя образы религиозные, как например, в картине «Притча о потерянной драхме».

Репродукция картины Доменико Фетти «Притча о потерянной драхме».

Просто и поэтично рассказывает художник о притче с потерянной драхмой. В пустой почти комнате молодая женщина, молча, склонилась в поиске монеты. Поставленный на пол небольшой светильник освещает фигуру и часть помещения, образуя при этом причудливую колеблющиеся тени на полу и стене. На границах соприкосновения света и теней загораются золотистые, белые и красные цвета живописи. Картина кажется согретой мягким лиризмом.

С именем Сальватора Роза из Неаполя (1615-1673) часто связывают представления о так называемых романтических пейзажах и вообще о характерном «романтическом» направлении в живописи 17 - го века.

Живописное творчество Сальватора Роза очень неровное и противоречивое. Он работал в самых разных жанрах - историческом, портретном, батальном и пейзажном, а еще он писал картины на религиозные сюжеты. Многие его работы находятся в как бы зависимости от академического искусства. Другие же свидетельствуют об увлеченности караваджизмом. Такова, например, картина «Блудный сын», где изображен коленопреклоненный молодой пастух рядом с овцами и коровой. Грязные пятки коленопреклоненного блудного сына, изображенные прямо на переднем плане, очень напоминают приемы Караваджо.

Фото картины Сальватора Роза «Блудный сын»

Романтическое описание пейзажа и жанровых сценок в творчестве Роза было как бы оппозицией официальной барочно-академической живописи.

Творческая деятельность братьев Карраччи привлекала к ним в Болонье и в Риме молодых художников, продолжавших идеи Карраччи в монументально-декоративной и пейзажной живописи. Из его учеников и соратников наиболее известные Гвидо Рени и Доменикино. В их творчестве стиль болонского академизма достигает окончательной канонизации.

Гвидо Рени (1575-1642) известный, как автор многих религиозных, а также мифологических работ, умело выполненных, но скучных и сентиментальных. Имя этого одаренного художника стало синонимом всего скучного, безжизненного и ложного, что было в академической живописи.

Фото картины Гвидо Рени « Аврора».

Эта прекрасная композиция, полна легкой грации и движения, она написана в холодной гамме серебристо-серого, голубого и золотистого цвета и хорошо характеризует утонченность и условность стиля Рени, который сильно отличается от грубой пластики и сочных красок чувственных образов братьев Карраччи.

Черты элементов классицизма наиболее полно сказываются в творчестве еще одного представителя болонского академизма -Цампьери Доменико, или Доменикино (1581 - 1641). Являясь учеником Аннибале Карраччи, он помогал ему при росписи галерей Фарнезе, Доменикино пользовался известностью своими знаменитыми фресковыми циклами росписи в Риме и в Неаполе. Большинство его работ мало выделяется на фоне работ других художников академического стиля. Лишь те картины, где большее место отводится пейзажам, не лишены поэтической свежести, например «Охота Дианы»

Фото картины Доменикино «Охота Дианы»

Художник изобразил на картине состязание нимф по меткости в стрельбе, как это было описано в «Энеиде» древнеримским поэтом Вергилием. Одна стрела должна была попасть в дерево, другая - в ленту, а третья - в парящую птицу. Диана, продемонстрировала свои умения, и не скрывает своей радости, потрясая в воздухе луком и колчаном.

Италия, играя ведущую роль в живописи, архитектуре и культуре западноевропейских стран в эпоху Возрождения, к концу XVII века постепенно теряет ее. Но она еще долгое время всеми признается законодательницей художественного вкуса и на протяжении нескольких столетий в Италию прибывают целые толпы паломников от искусства, в то время как на художественной арене стран Европы возникают могущественные новые школы.

Ссылки:

От: Максименко В.,  38842 просмотров

- Присоединяйтесь! Ваше имя:

Комментарий:

Европейская живопись 17 века идет вслед за эпохой Возрождения. Что касаемо исторических событий, то в это время идет смена феодализма на капитализм, экономический рост Европейских стран. В связи с большой насыщенностью социальными событиями, главной темой живописи является образ человека в настоящей бытовой ситуации. Но еще остаются сильны религиозные сюжеты, из эпохи Возрождения . Не существует какого-то единого стиля в живописи. Художники пробуют, экспериментируют. Самые главные направления - это барокко и классцизм. Большое влияние вносит Итальянское искусство. Его характеризую великие личности Веласкеса, Рембрандта, Пуссена, Караваджо, Рубенса, Бернини.

Самый большой прорыв в живописи был в первой половине 17 века, начало 1960-х годов. Вторая половна 17 века - время перелома. Влияние политики оказало воздействие на живописцев. Зато Рим становится неким художественным центром. Молодые и уже опытные художники приезжают туда либо для обучения, либо за новыми впечатлениями.

В 17 веке произошло еще одно не маловажное событие. Искусство живописи как бы разделилось на 2 лагеря: это мастера, которые могли работать только под планкой правительства, и прогрессивные художники, которые стояли в оппозиции к устоявшимся направлениям живописи, которые несли свои новые идеи.
В Италии появляются две школы, протестующие против маньеризма (стиль это характеризуется утратой гармонии между природой и самим человеком, духовным и телесным). Это Балансная школа (братья Караччи) и караваджизм Микеланджело Меризи да Караваджо.

Балансная школа

Представители Людовико Караччи, Агостино Караччи и Аннибале Караччо. При разработке нового стиля они опирались на классическое направление 16 века. Они продвигали более простые образы, но в то же время величественные. Первые работы братьев Караччи были по росписи дворцов Болоньи. Но это были лишь зачатки нового стиля. Первыми же настоящими работами в новом стиле можно считать картины Аннибале Карраччи "Вознесение Мадонны" и "Мадонна со св.Матвеем".

В 1580-х годах братья открыват Академию в Болонье - "Академиа-деи-инкаминати" (Академия, вступающая на новый путь). Основной упор делался на практику, а не на теоретические основы выстраивания изображения. Кроме типичных предметов школ искусств там преподавали анатомию, литературу, историю и филососфию. Это был большой и важный шаг в развитии европейского искусства. Ведь последующие школы открывались уже по этому принципу. Позже Анибале Караччи становится родоначальником "классического" пейзажа.

Караваджизм

Течение носит более демократичный характер, хотя так же выступает за реалистичность образов. Выдвинулось оно уже после болонского академизма. Течение получило название от имени своего основателя Микеланджело Меризи да Караваджо. Для примера о представлении стиля можно посмотреть работу Караваджо "Лютнист", она более ярко отображает суть стиля. Караваджо так же был первооткрывателем стиля живописи "погребно" . В этой технике преобладают темные тона, которые противопоставленны ярко освещенным деталям.

Ближайшим последователем Караваджи был Доменико Зампиери.

В третьем десятилетии 17 века усилилось влияние барочной живописи. Ее называют "высокое" барокко .
Больше декоративности, больше динамики и экспрессивности. Из художников этого периода 17 века можно выделить Джованни Ланфранко, Франческо Барбьери (Гверчино), Доменико Фетти, Лоренцо Бернини, Пъетро да Нортона, Сальватор Роза.

В 60-х годах наступает третий этап в живописи 17 века. Это также развитие барочного искусства, "позднее барокко". Из ярких личностей художиков можно выделить Джованни Баттиста Гаули, Андреа Поццо, Карло Маратта.

Кроме влияния Италии, в развитии живописи 17 века сыграли большую роль Нидерланды. Оттуда появились две школы: голландская и фламандская. В них разивается религиозная тематика. Ярким представителем фламандской школы был Рубенс Питер Пауль. Другие художники этого периода 17 века: Якоб Иордане, Франс Снейдерс, Адриан Браувер, Давид Тенирс.

Что касаемо голландской живописи, то в ее расцвете пробладают идеи реализма. Большая популярность и спрос на живопись исходила от частников. Постепенно происходит дифференциация жанров у художников. Это бытовой жанр, пейзаж со своими поднаправлениями, маринисты. Оказывает влияие на голландсую живопись творчество Караваджо, а так же немецкого художника Адама Эльсхеймера. Непосредственно известные личности голландской живописи: Франс Хальс, Рембрандт Харменс ван Рейн, Ян ван Гойен, Паулус Поттер, Альберт Кейп, Ян Порселлис, Герард Доу, Герард Терборх, Ян Вермеер Делъфтский, Адриан ван Остаде, Филипс Воуверман.

В голландской живописи хороша развивается жанровое направление и пейзаж. Кроме этого натюрморт становится все популярнее. Особенностью именно голландского натюрморта явлется присущая мягкость и характерность предметов. А в их роли часто выступали окорок, кусок хлеба, стаканы и трубка. Из известных художников это жанра выделяют Питера Клааса и Биллема Клаас Хеда, Абраама ван Бейерена и Биллема Кальфа.

В Испании, которая считалась центром художеств, начале 17 века основным течением был реализм. Одним из значимых художников того времени был Хосе Рибера. Он делал упор на религиозную тематику. Наряду с Рибера можно обозначить фигуру Франсиско Сурбарана. У него была особая манера письма: он сочетал немного тонов, которые давались большим планом. А так же его живопись был достаточно предметна в плане одежды и человеческого тела. Центральной фигурой испанской живописи 17 века является Диего де Сильва Веласкес. С самого начала творчества он писал в стиле реализма. Уделял большое внимание человеческому образу, лицу, на фон же обращал меньше внимания. Другие испанские художники: Бартоломее Эстебан Мурильо, Вальдес Леаль.

Французская живопись тоже была подвржена влиянию реальизма и демократичности. Одним из первых художников-реалистов во Франци был Жак Калло. Он писал как на тему библейских сюжетов, так и события соврененности. Позднее на французскую живопись оказывает влияние караваджизм. Другие представители французской живописи 17 века: Валантен, Жорж де Латур, Аптуаи Ленен, Луи Ленен и Матье Ленен. Братья Ленен писали в основном в жанровой тематике. У каждого брата был разный уровень мастерства. После реализма обороты начинает набирать классицизм. Основой его является рационализм. Представителями того времени были Никола Пуссен (он считался основателем классицизма во Франции), Эсташ Лесюер, Филипп де Шампань.
Во Франции создается Академия живописи и скульптуры. Она помогла централизовать французскую живопись. Не малую роль во французской живописи сыграл Шарль Лебрен. Он учился у Пуссена. Еще можно выделить фигуры Пьера Миньяра, Адама Франс ван дер Мейлена, Гиацинт Риго, Никола Ларжильер.

Семнадцатый век является расцветом феодального периода в России. В это время происходит укрепление феодально-крепостного строя и попутное зарождение буржуазных связей в недрах этого же строя. Быстрое развитие городов и общественности в целом привело к расцвету культуры. Живопись в 17 веке в России также обретала силу. Началось сосредоточение народных масс в крупных городах, что, в свою очередь, и было основной причиной столь стремительного развития культуры. Кругозор русских людей также расширило начало промышленного производства, которое заставляло внимательней присмотреться к дальним районам страны. Различные светские элементы проникают в живопись 17 века в России. Картины становятся все более популярными.

Воздействие церкви на искусство

Большую силу воздействия искусства, в частности живописи, осознавала и церковь. Представители духовенства старались держать под контролем написание картин, пытаясь подчинить их религиозной догматике. Преследованию подвергались народные мастера - живописцы, которые, по их мнению, отходили от установленных канонов.

Живопись в 17 веке в России все ещё была далека от реалистических тенденций и развивалась крайне медленно. На переднем плане все ещё было отвлечённо-догматическое и аллегорическое видение живописи. Иконы и росписи отличались перегруженностью мелкими сценамии и предметами вокруг главного изображения. Ещё характерными для того времени были пояснительные надписи на картинах.

Личность и картины 17 века

Описывая живопись в 17 веке в России, нельзя не упомянуть художника Симона Фёдоровича Ушакова, который является автором таких знаменитых картин, как «Спас нерукотворный», «Троица» и «Насаждение древа государства Российского». Примечательным явлением в живописи стал интерес к человеку как к личности. Об этом говорила распространившаяся портретная живопись 17 века в России.

Нужно отметить, что портрет стал достоянием народных масс только с середины 18 века, а до этого времени только близкие к верховной власти могли оставить о себе воспоминание на холсте художника. Некоторое количество парадных и декоративных картин создавалось для больших общественных помещений, таких как Академия художеств, Сенат, Адмиралтейство и Императорские дворцы. Портреты могли заказать и семьи, но не выставляли их напоказ, а оставляли в своём кругу. Они могли украшать даже небогатые петербургские квартиры представителей интеллигенции, которые старались следить за тенденциями и модой в обществе.

Влияние на русскую живопись западноевропейской культуры

Нужно отметить, что живопись в 17 веке в России сильно изменилась, особенно это касается портретной. На передний план стал выходить реальный мир с реальными судьбами и процессами. Все становилось более светским и жизнеподобным. Огромное влияние навевалось с запада. Эстетические вкусы запада постепенно начали перетекать и в Россию. Это касалось не только искусства в целом, но и таких художественных вещей, как посуда, кареты, одежда и многое другое. Стало популярным заниматься портретами как увлечением. Было модно привозить в подарок царю картины с изображением монархов. Вдобавок к этому и посланники были не прочь приобрести интересующие их портреты в мировых столицах. Уже чуть позже стало популярным подражать мастерству писания на холсте иностранных художников. Появляются первые «Титулярники», в которых изображены портреты иностранных и русских государей.

Несмотря на то что сопротивление некоторых кругов росло прямо пропорционально увеличению популярности народного искусства, сдержать движение уже было просто невозможно. Во второй половине столетия живопись в 17 веке в России набрала большие обороты. Одной из основных мастерских художественных центров стала в которой была написана не одна сотня картин двумя десятками мастеров под руководством Лопуцкого, Вухтерса и Безмина. В их работах отражались существовавшие противоречивые тенденции живописи. Часть картин была выполнена в официальном стиле, а другая часть - в западноевропейском.

Новизна в портретной живописи

Живопись в 17 веке в России изменила свой вид. Обрёл новую форму светский жанр - портрет. Основной темой искусства стал именно человек. Можно сделать вывод, что роль отдельной личности как человека возросла. Канонические «лики» отошли на второй план и уступили место житейским отношениям и личности в целом. Поэзии стал достоин реальный человек, а не только божественный или святой. Церемониальный портрет сошёл со сцены русского художества. Естественно, его влияние не закончилось и сегодня, но оно стало не столь значимым. В Петровский период он также находит себе место на русской земле, и даже существует наравне с европейским портретом.

Заключение

Так развивалась живопись 17 века в России. Кратко можно заключить, что именно в это столетие произошёл переломный момент в искусстве, повлиявший на культуру страны и её дальнейшее развитие.

Среди множества русских и иностранных художников, творивших в России, выдающимися мастерами портрета в 18 веке можно смело назвать

А.П. Антропова, И.П. Аргунова, Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского.

На своих полотнах А.П. Антропов и И.П. Аргунов стремились изобразить новый идеал человека – открытого и энергичного. Жизнерадостность, праздничность подчеркивалась яркими красками. Сановитость изображаемых, их дородность передавалась с помощью красивой одежды и торжественных статичных поз.

А.П.Антропов и его картины

Автопортрет А.П.Антропов

В творчестве А.П. Антропова еще заметна связь с иконописью. Лицо мастер пишет слитными мазками, а одежду, аксессуары, фон – свободно и широко. Художник не «лебезит» перед благородными героями своих картин. Он рисует их такими, какими они есть на самом деле, какими бы чертами, положительными или отрицательными, они не обладали (портреты М.А. Румянцевой, А.К. Воронцовой, Петра ІІІ).

Среди наиболее известных работ живописца Антропова портреты:

• Измайлова;
• А.И. и П.А. Количевых;
• Елизаветы Петровны;
• Петра І;
• Екатерины ІІ в профиль;
• атамана Ф.Краснощекова;
• портрет кн. Трубецкой

И.П.Аргунов — художник портретист 18 века

И.П.Аргунов «Автопортрет»

Развивая концепцию национального портрета, И.П. Аргунов быстро и легко усвоил язык европейской живописи и отказался от старорусских традиций. Выделяются в его наследии парадные ретроспективные портреты, которые он написал с прижизненных изображений предков П.Б. Шереметева. В его творчестве предугадано и живопись следующего века. Он становится творцом камерного портрета, на котором огромное внимание уделяется высокой одухотворенности образа. Это и был интимный портрет, который стал более распространенным уже в ХІХ веке.

И.П.Аргунов «Портрет неизвестной в крестьянском костюме»

Самыми значимыми в его творчестве были изображения:

• Екатерины Алексеевны;
• П.Б. Шереметева в детстве;
• четы Шереметевых;
• Екатерины ІІ;
• Екатерины Александровны Лобановой-Ростовской;
• неизвестной в крестьянском костюме.

Ф.С.Рокотов — художник и картины

Новая фаза развития этого искусства связана с именем русского художника-портретиста — Ф.С. Рокотова. Игру чувств, изменчивость человеческого характера передает он в своих динамичных образах. Мир живописцу казался одухотворенным, такими выступают и его персонажи: многогранными, полными лиризма и человечности.

Ф.Рокотов «Портрет неизвестного в треуголке»

Ф.С.Рокотов работал в жанре полупарадного портрета, когда человек изображался по пояс на фоне архитектурных построек или пейзажа. Среди первых его работ — портреты Петра III и Григория Орлова, семилетнего князя Павла Петровича и княжны Е.Б. Юсуповой. Они нарядны, декоративны, красочны. Образы выписаны в манере рококо с его чувственностью и эмоциональностью. Благодаря работам Рокотова можно узнать историю его времени. Вся передовая дворянская элита стремилась быть запечатленной на полотнах кисти великого живописца.

Камерным портретам Рокотова свойственны: погрудное изображение, поворот к зрителю на ¾, создание объема сложной светотеневой лепкой, гармоничное сочетание тонов. С помощью данных выразительных средств художник создает определенный тип полотна, на котором изображались честь, достоинство, душевное изящество человека (портрет «Неизвестного в треуголке»).

Ф.С.Рокотов «Портрет А.П.Струйской»

Особенно замечательными получались у художника юношеские и женские образы, и даже сложился определенный рокотовский тип женщины (портреты А.П. Струйской, Е. Н. Зиновьевой и многих других).

Помимо уже упомянутых, славу Ф.С.Рокотову принесли работы:

• В.И. Майкова;
• Неизвестной в розовом;
• В.Е. Новосильцевой;
• П.Н. Ланской;
• Суровцевой;
• А.И. и И.И. Воронцовых;
• Екатерины ІІ.

Д.Г.Левицкий

Д.Г.Левицкий Автопортрет

Говорили, будто портреты Д.Г.Левицкого отразили весь век Екатерины. Кого бы ни изображал Левицкий, он выступал тонким психологом и непременно передавал задушевность, открытость, грусть, а также и национальные особенности людей.

Самые выдающиеся его работы: портрет А.Ф. Кокоринова, цикл портретов «Смолянки», портреты Дьяковой и Маркеровского, портрет Агаши. Многие работы Левицкого считаются промежуточными между парадными и камерными портретами.

Д.Г. Левицкий «Портрет А.Ф.Кокоринова»

Левицкий соединил в своем творчестве точность и правдивость изображений Антропова и лирику Рокотова, вследствие чего и стал одним из наиболее выдающихся мастеров XVIII века. Самые известные его работы — произведения:

• Е. И. Нелидовой
• М. А. Львовой
• Н. И. Новикова
• А. В. Храповицкого
• четы Митрофановых
• Бакуниной

В.Л.Боровиковский — мастер сентиментального портрета

Портрет В.Л.Боровиковского, худ. Бугаевский-Благодатный

Личность отечественного мастера этого жанра В.Б. Боровиковского связана с созданием сентименталистского портрета . Его миниатюры и портреты маслом изображали людей с их переживаниями, эмоциями, передавали неповторимость их внутреннего мира (портрет М.И. Лопухиной). Женские изображения обладали определенной композицией: женщина изображалась на природном фоне, по пояс, она опиралась о что-то, держа в руках цветы или фрукты.

В.Л.Боровиковский «Портрет Павла I в костюме мальтийского ордена»

Со временем образы художника становятся типичными для всей эпохи (портрет генерала Ф. А. Боровского), а поэтому художника еще называют историографом своего времени. Перу художника принадлежат портреты:

• В.А. Жуковского;
• «Лизанька и Дашенька»;
• Г.Р. Державина;
• Павла I;
• А.Б. Куракина;
• «Безбородко с дочерьми».

Для развития русской живописи XVIII век стал переломным моментом. Портрет становится ведущим жанром. Художники перенимают от своих европейских коллег технику живописи и основные приемы. Но в центре внимания оказывается человек со свойственными ему переживаниями и чувствами.

Русские портретисты старались не просто передать сходство, но и отразить на своих полотнах душевность и внутренний мир своих моделей. Если Антропов и Аргунов стремились, преодолев условности, правдиво изобразить человека, то уже Рокотов, Левицкий и Боровиковский пошли дальше. С их полотен смотрят одухотворенные личности, настроение которых уловили и передали художники. Все они стремились к идеалу, в своих произведениях воспевали красоту, но красота телесная была лишь отражением человечности и духовности, свойственных русскому человеку.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь